El pintor abstracto
La pintura abstracta es una parte importante del arte moderno. Para el pintor figurativo, esta nueva rama de las artes visuales es un mundo por descubrir. Sus principios son simplemente diferentes. Antes del nacimiento de la pintura abstracta, cada obra tenía un tema o motivo, por ejemplo, retratos, paisajes o bodegones. El pintor contemporáneo ya no necesita representar la realidad para crear emociones o una reflexión sobre el mundo. Esta es una diferencia fundamental. Este artículo ofrece algunos antecedentes históricos sobre el surgimiento de este movimiento. Su objetivo es ofrecerle conocimientos que le permitan apreciar mejor este arte en sus futuras visitas a museos o exposiciones. Sin embargo, muchas personas creen que la pintura abstracta es difícil de comprender.
Los inicios del arte abstracto
Entre 1910 y 1930, se produjo una revolución en la pintura: el surgimiento de la abstracción. Por primera vez, los pintores se atrevieron a exhibir pinturas sin un tema reconocible. Las obras se referían únicamente a sí mismas, expresando únicamente el poder del color y la línea.
Esta conmoción artística se produjo simultáneamente en Moscú, París y Múnich en vísperas de la Primera Guerra Mundial. El más conocido de estos movimientos es el cubismo, fundado por Braque y Picasso. Este último se vio influenciado por el postimpresionismo de Cézanne, considerado el padre de la pintura moderna.
Más tarde, durante la Primera Guerra Mundial, surgió el surrealismo, derivado en parte del psicoanálisis y el dadaísmo. Rechazó la postura antiestética y estableció el marco de la pintura abstracta. El surrealismo ejerció una influencia significativa en esta pintura.
El trauma de la Primera Guerra Mundial fomentó nuevas espiritualidades, más o menos esotéricas, que buscaron expresión en las artes. El psicoanálisis, surgido con Sigmund Freud, también jugó un papel importante en el nacimiento de este nuevo arte. Sin duda, los avances científicos y tecnológicos también contribuyeron. En este contexto de posguerra de principios del siglo XX, la realidad visible perdió protagonismo en el arte frente a las representaciones mentales. Los horrores de la guerra ya no podían expresarse mediante simples imágenes. Era necesario profundizar en la búsqueda de la emoción pura. Para algunos pintores, este nuevo paradigma finalmente abrió un nuevo universo estético.
A partir de entonces, la pintura abstracta exploró nuevas formas estéticas. Diversos estilos de abstracción surgieron simultáneamente entre 1911 y 1917, con sus fundadores : Frantisek Kupka , Wassily Kandinsky , Kazimir Malévich y Piet Mondrian .
Los tres tipos principales de abstracción
Se destacan tres ramas de la abstracción: la abstracción cálida, la abstracción fría y la pintura informal. Cabe destacar que Vasily Kandinsky creó la primera acuarela abstracta.
A diferencia de la llamada abstracción "cálida", existe la abstracción "fría", que corresponde a la abstracción geométrica. Con trazos, líneas, cuadrados, círculos y triángulos, la pintura geométrica es una forma de arte que prioriza la forma pura. La pintura informal es instintiva.
Espontaneidad: abstracción cálida
Wassily Kandinsky es el padre de la abstracción cálida, también conocida como abstracción lírica . Esta técnica enfatiza la espontaneidad para expresar la emoción pura en el lienzo. Esta forma creativa no implica ningún proceso intelectual. Solo prevalecen el gesto y la emoción.
Rigor: abstracción fría
Durante el mismo período, algunos artistas se centraron en expresar la esencia de la estética a través de la geometría. Esta fue, en particular, la búsqueda del pintor Piet Mondrian . Para él, los cimientos de la pintura abstracta residían en las formas geométricas. Estas formas se componían de los elementos básicos de cuadrados y triángulos, en colores primarios. En la práctica, esta abstracción austera exigía rigor en la armonía de colores y formas.
Pintura informal
El término «informal» fue utilizado por primera vez en 1951 por Michel Tapié . El arte informal corresponde a experimentos nuevos y extremos.
Los mejores representantes son Willem de Kooning, Jackson Pollock y Georges Mathieu. La pintura informal se caracteriza por su oposición al cubismo y al surrealismo. Se define por la búsqueda, en el lienzo, de una unidad armoniosa de formas y colores. Las proporciones entre los elementos pictóricos se definen instintivamente mediante el gesto del pintor. Es una pintura abstracta compuesta de signos cuyo significado estético se calcula en tiempo real.
Hacia un nuevo pintor abstracto contemporáneo
La actitud del pintor hacia la abstracción cambia gradualmente a medida que se desvanece la conmoción inicial del descubrimiento. Dejando de ser un conquistador, para convertirse en un artista como cualquier otro, el arte abstracto se introduce en las escuelas de pintura. Su enseñanza se vuelve académica, lo que genera numerosos debates sobre la mezcla de géneros. Gerhard Richter es un ejemplo significativo, al pasar del arte figurativo al abstracto con gran maestría. En esto, sigue los pasos de Wassily Kandinsky. El conflicto entre el arte figurativo y el abstracto se disipa, abriendo nuevas vías para los artistas que ya no se sienten confinados a un estilo particular. Esto permite que su imaginación dé rienda suelta, liberada de las limitaciones del pasado. El legado de los primeros pintores abstractos es considerable y continúa estimulando la reflexión sobre la naturaleza de la estética.
Cómo apreciar a los pintores abstractos
Las pinturas abstractas carecen de motivos específicos y algunas personas pueden reaccionar negativamente a ellas. En este artículo, exploraremos cómo apreciar el arte abstracto.
Aprendiendo a ver
"No se parece a nada" o "Un niño podría hacerlo". Son el tipo de comentarios que a veces se escuchan en exposiciones de arte abstracto.
En nuestra vida diaria, estamos acostumbrados a lidiar con la realidad. Con la abstracción, nuestra mente no puede captar una explicación lógica de lo que vemos. Se pierde, y entonces es solo el poder de la imagen el que opera.
Para familiarizarnos con la pintura abstracta, aprendamos a observar el mundo que nos rodea más allá de los conceptos que lo definen. Un árbol puede verse como una colección de manchas verdes cruzadas por líneas más oscuras. Al bajar los párpados para que solo pase un rayo de luz, la visión cambia. Se vuelve más borrosa y casi irreal. Así que concéntrate en las formas y los colores, sin intentar definir lo que ves. Esta experiencia te acercará a la mejor manera de contemplar una pintura abstracta.
La pintura abstracta no es el nombre de un movimiento artístico. Es una expresión pictórica que se ha distanciado de la pintura clásica. En el proceso creativo, los pintores reaccionan como tú cuando te esfuerzas por distanciarte de los conceptos. El acto de mirar es, por lo tanto, también un acto creativo.
«Todas las formas de la naturaleza están tratadas con cilindros, esferas y conos.» Paul Cézanne.
Simplemente disfruta de la belleza
Una forma de apreciar el arte es dejar que la mirada divague sin intentar comprender. ¿Son los colores vibrantes y encantadores, la composición audaz y la textura de la pintura interesante? Entonces, déjate sumergir por la imagen.
Un método agradable es asociar lo que ves con la música. La armonía musical y la pintura tienen cosas en común. Lo mismo ocurre con la poesía, que es la música de las palabras.
La sinestesia es una condición que permite asociar los colores con notas musicales, pero también con letras. Wassily Kandinsky, uno de los fundadores de la pintura abstracta, era sinestésico. Por ello, no es raro pensar en música al contemplar sus obras.
Entendiendo el contexto y el significado
Es bueno apreciar una obra de arte con la propia sensibilidad. Sin embargo, si comprendes el contexto en el que se creó, disfrutarás mucho más. Conocer los movimientos artísticos y, en particular, a los artistas, te ayuda a "entrar" en las obras. La pintura que tienes ante ti forma parte de la gran historia del arte, y te sientes como si la estuvieras presenciando.
Los movimientos artísticos de la pintura abstracta
Cubismo (hacia 1907)
El cubismo se atribuye a Georges Braque y Pablo Picasso.
Hasta entonces, las pinturas figurativas se realizaban a partir de un único objeto, pero el cubismo inventó un método para capturar la forma del objeto visto desde diferentes ángulos y en una sola imagen.
Esta técnica, que sorprendió a muchos artistas, se ha transmitido hasta nuestros días. Es uno de los inventos más importantes de la historia del arte moderno.
Abstracción expresiva
La pintura abstracta pura, también llamada «abstracción autoexpresiva», es una pintura abstracta que utiliza el yo interior como base para la acción creativa.
Vasily Kandinsky es un artista representativo de este tipo de pintura abstracta. Recibió una fuerte influencia de la cosmovisión mística y holística de los simbolistas rusos, así como de la teosofía, que comenzó a explorar a partir de 1908.
Neoplasticismo (circa 1920)
El neoplasticismo es una teoría del arte abstracto geométrico propuesta por Mondrian. En 1911, Mondrian quedó profundamente impresionado por las obras cubistas de Picasso. Viajó a París y conversó con varios pintores. Fue entonces cuando llegó a la conclusión de que el cubismo se alejaba del concepto puro de abstracción. Para Mondrian, era esencial llegar a la esencia del asunto. Para él, las formas geométricas y los colores primarios eran la esencia del arte abstracto. Sus ideas inspirarían posteriormente a los minimalistas.
Pintura de acción (circa 1950)
El artista expresionista abstracto Jackson Pollock es la figura principal de la "pintura de acción". Este estilo utiliza gestos como salpicaduras, goteos o pinceladas amplias. El significado y la estética surgen de los movimientos del pintor.
Campo de color (circa 1950)
Un campo de color es una expresión pictórica en la que una "superficie" coloreada ocupa gran parte del lienzo. Todo el lienzo es completamente liso, sin centro ni punto focal. Contiene pocos patrones y ningún objeto. Cada color o línea geométrica desempeña un papel importante. Artistas pertenecientes al expresionismo abstracto, como Barnett Newman, Mark Rothko y Ronald Davis, son representativos de este movimiento.
¡Diez pintores abstractos de renombre!
Kazimir Malévich
Kazimir Malévich (1878-1935) fue uno de los artistas de vanguardia rusos que creó el concepto del suprematismo. Malévich conoció el cubismo en París, y su estilo evolucionó hacia la abstracción geométrica pura. Su obra representativa, "Cuadrado negro", es su primera pintura abstracta. Actualmente se conserva en la Galería Tretiakov de Rusia. "Realismo pictórico de un futbolista" es también una obra muy significativa de su obra.
Malévich eliminó por completo el significado de sus pinturas. Estableció un estilo que consiste en representar formas mínimas como cuadrados, triángulos y círculos; esto es el suprematismo . Sin embargo, Kazimir Malévich no pudo expresarse en su país, la Unión Soviética. Satlin había prohibido su pintura, lo que lo obligó a recurrir a la pintura figurativa para evitar los campos de concentración, lo que puso fin a su carrera a los 57 años.
Vasili Kandinsky
Wassily Kandinsky (1866-1944) fue un pionero de la pintura abstracta rusa. De formación clásica, dominó el arte figurativo, pero quería expresar más allá de la realidad y se volcó en la abstracción. A principios de la década de 1910, abandonó el arte figurativo y sus pinturas se convirtieron en una sinfonía de vibrantes y explosivas manchas de color. Esto se conoce como abstracción cálida o abstracción lírica.
La cálida abstracción de Kandinsky se inspiró en los "Almiares" de Monet . Vasily Kandinsky es uno de los fundadores del arte abstracto. Para él, la pintura es el lenguaje del sentimiento, expresando con formas y colores lo que las palabras no pueden expresar. Con Kandinsky, el arte alcanza la libertad absoluta y todo se vuelve posible.
Kandinsky divide sus obras en tres tipos según la distancia al objeto: "impresión", "improvisación" y "composición".
Pablo Picasso
Pablo Picasso (25 de octubre de 1881 - 8 de abril de 1973) fue un pintor, escultor, grabador y ceramista español que pasó la mayor parte de su vida adulta en Francia. Es uno de los artistas más influyentes del siglo XX y el fundador del movimiento cubista. Además, su estilo artístico fue polifacético y abarcó todas las artes visuales.
Paul Klee
Paul Klee (1879-1940) fue un pintor suizo que formó parte del grupo " El Jinete Azul" junto con Kandinsky y otros. También impartió clases en la Bauhaus .
Klee conoció la música desde muy joven. Tocó en la orquesta de Berna desde los 11 años. Sin embargo, su interés por la pintura lo impulsó a seguir una carrera en ese campo. Recibió influencias del expresionismo, el cubismo y el surrealismo.
El estilo de Klee se caracteriza por la riqueza de colores. Tras un viaje a Túnez, se percató del poder expresivo del color. Decía que el color y él eran uno.
Joan Miró
Joan Miró (1893-1983) fue un pintor español tan influyente como Picasso y Dalí. Inspirado por el surrealismo el sol, transmite al espectador una sensación de energía explosiva.
Miró vivió en la pobreza hasta que su amigo Ernest Hemingway compró una de sus obras más importantes, “La Granja”.
Piet Mondrian
Piet Mondrian (1872-1944) es considerado el padre de la pintura abstracta en los Países Bajos. Su obra, que contrastaba con la de Kandinsky, se conoce como «abstracción fría». Mondrian fue una figura clave del movimiento artístico neerlandés y también influyó en la Bauhaus. Su expresión artística simplificó los colores y las formas hasta su máxima simplicidad. A través de Yves Saint Laurent, su obra tuvo un impacto significativo en la moda de 1965, en particular con la icónica pintura «Composición 2: Rojo, Azul y Amarillo», que se convirtió en sinónimo del «look Mondrian». Su influencia daría lugar posteriormente al minimalismo.
Jackson Pollock
Jackson Pollock (1912-1956) nació en Estados Unidos. Fue la figura principal de la " pintura de acción ", una técnica que no utiliza pinceles, sino gotas y salpicaduras de pintura sobre un lienzo extendido en el suelo .
Influenciado por Miró, Pollock se expresó mediante acciones basadas en el concepto del inconsciente. Es uno de los representantes más conocidos del expresionismo abstracto.
Jackson Pollock sufrió de alcoholismo durante mucho tiempo y murió repentinamente a la edad de 44 años en 1956. Después de conducir ebrio, se estrelló contra un árbol.
Mark Rothko
El pintor ruso-judío-estadounidense Mark Rothko (1903-1970) es una de las figuras más destacadas del arte de posguerra. Estudiante estudioso, Rothko dejó la Universidad de Yale para dedicarse al arte. Su conocimiento de la mitología griega lo acercó a los surrealistas. También recibió la influencia del filósofo alemán Friedrich Nietzsche. El "estilo Rothko" se caracteriza por su uso del color impregnado de espiritualidad; es una forma de arte meditativa.
Frank Stella
El pintor y escultor estadounidense Frank Stella nació en 1936. Más allá del expresionismo abstracto, también es conocido como una figura destacada del arte minimalista. Stella estudió historia del arte en la Universidad de Princeton. Más tarde, inspirado por la Jasper Johns , redujo sus pinturas al mínimo indispensable para crear la "Serie de Pinturas Negras".
Rompiendo con el expresionismo abstracto, Stella describe su obra como "una superficie plana y pintada, nada más".
En 1959 fue seleccionado para la 16ª Exposición de Artistas Americanos (Museo de Arte Moderno, Nueva York), y al año siguiente organizó una exposición individual en la Galería Leo Castelli , una galería legendaria que lideró el arte americano de la posguerra.
Barnett Newman
Barnett Newman (1905-1970) fue una figura destacada del expresionismo abstracto y la pintura de acción, junto con Pollock y Rothko. Nacido en la ciudad de Nueva York en el seno de una familia de inmigrantes judíos rusos, Newman trabajó como crítico y curador antes de comenzar su carrera pictórica en 1944, a los 40 años. Su estilo se caracteriza por una aplicación uniforme del color, acentuada por una o más líneas verticales que él llamó "cremalleras".
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