L’ artiste contemporain

L’art contemporain est-il devenu un art des concepts, laissant l’émotion aux anciens mouvements ?

Si l’on envisage l’art contemporain sous l’angle des artistes vivants, leur nombre donne le vertige.

Nous n’avons jamais connu dans l’histoire de l’art une telle foule d’artistes contemporains. Nous assistons en direct à une mondialisation de la production artistique.

L’artiste contemporain, défini comme un artiste vivant, est au cœur d’une industrie culturelle qui ne cesse de prendre de l’ampleur.
Une œuvre créée dans un pays peut être vue sur toute la planète grâce au concept de galerie d’art en ligne. Cela change la donne par rapport au modèle des galeries d’art traditionnelles. Un grand nombre de ces galeries sont contraintes de s’adapter rapidement à la vente en ligne d’œuvres d’art.

De multiples artistes amateurs deviennent professionnels.

La médiatisation des stars de l’art contemporain, au travers de ventes hors norme ou d’expositions prestigieuses, est le moteur de ce grand mouvement planétaire.

On peut le déplorer, mais plus de 90 % du marché de l’art se concentre sur quelques artistes. Les grands collectionneurs et les institutions telles que les fondations, les musées et les organismes d’état en font leurs égéries.

Derrière cette vitrine, de nombreux créateurs travaillent et certains ont un avenir qui s’annonce brillant.

De l’artisan à l’artiste contemporain

À la Renaissance, l’artiste se différencie progressivement de l’artisan. Il est considéré en fonction de son style, de son œuvre, de son histoire et notamment de sa personnalité. ( Vies des meilleurs peintres, sculpteurs et architectes de Vasari (1574)). C’est le premier catalogue à destination de riches collectionneurs.

La mode des cabinets de curiosités et des bibliothèques, où l’on se réunit pour parler politique et d’affaires, donne un élan au marché de l’art qui se doit d’être présent dans ces lieux privilégiés.

On y montre sa puissance et sa culture en exhibant les plus belles peintures.

Ainsi, la « collection » s’étend à la grande bourgeoisie, ce qui provoque la spéculation.

Les grands artistes de la Renaissance comme Michel-Ange (1475-1564), Raphaël (1483-1520 ) vendent déjà très cher leurs tableaux.

L’Italie du Nord avec ses villes de Venise, Milan, Rome et Florence dominent l’art. Aux Pays-Bas, l’art flamand se développe.

Les peintres s’émancipent du concept purement religieux. Ils deviennent connus dans toute l’Europe pour leur style reconnaissable. On recherche ces peintres.

Ils attirent les premiers marchands comme Giovanni Arnolfini, qui s’installera à Bruges pendant que sa fille restera à Paris. Il commandera une peinture le représentant accompagné de sa femme (Les époux Arnolfini , 1434 ) au peintre Jan Van Eyck (vers 1390 – 1441). Ce tableau est l’un des plus connus de la période des maitres flamands.

De nouvelles relations s’opèrent alors entre l’artiste et le marchand. La priorité est donnée à l’œuvre originale, alors que les artistes vivaient encore en grande partie de la copie de peinture.

Les thèmes et les sujets peints se diversifient et ne portent pas que sur la religion. Les scènes de vie quotidienne intéressent également les collectionneurs.

Une nouvelle hiérarchie des artistes apparaît. La valeur des œuvres augmente beaucoup pour certains. Ces nouvelles relations entre l’artiste et le marchand vont transformer la valeur des œuvres, sur le plan financier, mais aussi artistique. L’artiste devient plus libre et moins dépendant d’un mécène.

C’est donc une économie gagnante entre le marchand et l’artiste. L’un et l’autre collaborent, ils sont liés par un intérêt commun. Le marchand, qui est un connaisseur, devient aussi un partenaire artistique.

Il connait l’artiste, le peintre, le sculpteur et les met en valeur. Il influence parfois son choix. Ces nouvelles relations entre l’artiste et le marchand vont transformer le marché de l’art.

Ce n’est qu’au XIXᵉ siècle que ce marché se structure à plus grande échelle. Apparaissent alors les salles de vente d’œuvres aux enchères et les premières expositions de peinture et de sculpture, qui permettent aux collectionneurs d’acheter de l’art. La boutique de l’antiquaire propose aussi des œuvres à la vente.

Les artistes vivants les plus vendus

On entend souvent dire que les œuvres d’art ne prennent de la valeur que lorsque l’artiste à l’origine de l’œuvre est décédé. Cela est vrai en partie, mais quelques artistes vivants sont au cœur d’une spéculation financière énorme. La peinture contemporaine n’est pas morte et plutôt bien vivante.

Le peintre David Hockney (1937 ) peint depuis les années des œuvres inspirées par divers mouvements artistiques comme le pop art ou l’hyperréalisme. Il a publié plusieurs ouvrages sur la technique des grands maîtres. C’est l’un des plus grands artistes figuratifs. Chez Christie’s, la vente aux enchères du tableau « *Portrait of an Artist « *a atteint la somme de 90 millions de dollars.

American Collectors (Fred and Marcia Weisman), 1968 - Institute of Chicago

Edward Joseph Ruscha, qui est un artiste pop art (né en 1937) – a vendu un total de 799 œuvres pour un total de 145 millions de dollars.

American Collectors (Fred and Marcia Weisman), 1968 - Institute of Chicago

Dans un domaine totalement différent, le peintre chinois Fan Zeng, considéré comme un maître moderne de l’art traditionnel chinois, a vendu au total plus de mille cinq cents œuvres pour un montant total de 185 millions de dollars. Une seule de ses œuvres, « Finishing Touch of the Dragon Eye » est partie aux enchères à plus de deux millions d’euros.

Fan Zeng - Finishing Touch of the Dragon Eye"

Peter Doig (né en 1959), a vendu 254 œuvres, pour un total de 197 millions de dollars. Il partage une génération et la même trajectoire que des artistes tels que Damien Hirst et Tracey Emin, qui ont émergé dans les années 1990 – notamment grâce au collectionneur d’art Charles Saatchi.

Une peinture de Peter Doig, intitulée « White Canoë » et datant de 1990, a fait la une des journaux lorsqu’elle a été vendue par Sotheby’s en 2007, comme la peinture la plus chère jamais réalisée par un artiste vivant, pour 5,7 millions de livres sterling. D’ailleurs, Peter Doig a qualifié d’indécent le fait de voir ses œuvres vendues pour des sommes pareilles.

Gasthof zur Muldentalsperre, 2000/2002 - Institute of Chicago

Nous pourrions aussi parler de Yayoi Kusama (née en 1929) et de son univers de bulles colorées, une des artistes les plus vendues au monde.

Sun Spot, 1953Yayoi Kusama - Institute of Chicago

Richard Prince (né en 1949). Son image de grande renommée de 1989 « Untitled (Cowboy) » qui est une copie d’une publicité pour une cigarette. C’est la première photographie à se vendre pour plus d’un million de dollars chez Christie’s, à New York en 2005.

L’intérêt de Richard Prince pour la culture de consommation et sa méthode consistant à copier des images publicitaires seront suivis par d’autres artistes. Cindy Sherman, Jack Goldstein, Barbara Kruger et Sherrie Levine, utilisent également la photographie pour brouiller la frontière entre réalité et artifice.

Untitled (girlfriend), 2000 Richard Prince - Institute of Chicago

Il a fallu dix ans à l’artiste chinoise Zeng Fanzhi pour vendre son œuvre « Mask Series N° 6 » à un touriste américain à Shanghai pour un peu plus de 13 mille euros avant que le même tableau ne soit vendu 8,7 millions d’euros chez Christie’s. La vente a fait d’un touriste américain un homme riche.

Mask Series No 6" Musée numérique Arthur

Nous pourrions aussi citer le peintre Cui Ruzhuo (né en 1944) avec un total de 309 œuvres vendues pour des millions de dollars. Cui Ruzhuo est un artiste chinois de renom pour ses images de fleurs, d’oiseaux et de paysages.

Le peintre Ruzhuo a vendu une toile intitulée « Lotus » pour pas moins de 15 millions de dollars chez Christie’s à Hong Kong en 2011. Puis « Paysage dans la neige », pour la somme faramineuse de 30 millions de dollars, aux enchères de Poly à Hong Kong en 2015. C’est l’artiste chinois le plus vendu de tous les temps.

CUI Ruzhuo - painted portrait -IMG_1923 By Thierry Ehrmann

Chistopher Wool (né en 1955), se place en troisième position des meilleures ventes avec 255 œuvres vendues pour un total de 378 millions de dollars. Il a commencé à peindre dans les années 1980, à une époque où beaucoup considéraient la peinture comme dépassée et sans rapport avec les pratiques d’avant-garde. Cela démontre qu’aucune règle n’est absolue en la matière et que ce sont les investisseurs qui font les valeurs et non les institutions.

Untitled 2010 - Christopher Wool - Institute of Chicago

Jeff Koons (né en 1955) est en seconde position avec des ventes pour un montant dépassant les 438 millions de dollars.

Parmi les œuvres de grande renommée de Jeff Koons, citons une série de trois statues en porcelaine dorée représentant le musicien Michael Jackson (1985) et la sculpture florale emblématique d’un chiot de 12 m de haut, Poppy (1992). Sans oublier le célèbre Balloon dog, vendu chez Christie’s en 2013 pour la modique somme de 58.4 millions de dollars. Balloon dog devient alors “l’œuvre la plus chère vendue par un artiste vivant aux enchères”. Rabbit, une autre série de sculpture de Jeff Koons réalisée en 1986, battra ce record en 2019, la vente de l’un des trois exemplaires de la série atteignant la somme de 91,1 millions de dollars.

Bourgeois Bust - Jeff and Ilona - 1991 Jeff Koons

Gerhard Richter (né en 1932) est le phénomène de la peinture par l’ampleur de ses ventes. Mille quatre cents œuvres vendues pour plus d’un milliard et 207 millions de dollars.

Richter est connu pour ses « peintures photographiques », notamment des paysages, ainsi que pour ses peintures abstraites. Ses œuvres présentent une tension entre la réalité dépeinte et l’actualité des peintures, le processus et le matériau.

L’une de ses marques de fabrique est une surface floue, qui donne à l’image un aspect photographique

Ice (4), 1989Gerhard Richter Institute of Chicago

Artistes représentatifs de l’art contemporain

Donald Judd

Donald Judd est un artiste de l’art minimal des plus importants. Il a conçu le concept « d’objets spécifiques ».

L’objet lui-même est érigé en art pur sans être lié aux sentiments ou aux conditions sociales de l’artiste. Il poursuit l’essence de la matière jusqu’à l’extrême limite.

Les œuvres ne sont composées que de couleurs simples, de lignes telles que des lignes droites et des surfaces, et des matériaux tels que le bois et le fer qui sont utilisés dans l’industrie.

En 1986, il a créé la Fondation Sinati pour soutenir les artistes, et est un artiste qui a contribué à la société en s’impliquant dans le mouvement de protection de l’environnement.

Orange Grid Design Series, 1961/69 Donald Judd - Institute of Chicago

Yayoi Kusama

Elle est surnommée la « reine de l’avant-gardisme ». Elle est connue pour ses points colorés. C’est l’une des plus grandes artistes japonaises.

Dès son plus jeune âge, elle souffrait d’hallucinations et d’hallucinations auditives, et pour y échapper, elle peignait des ronds pour remplir l’espace. Sa volonté était d’abolir la frontière entre elle et le monde, en s’immergeant dans la répétition infinie**.**

La citrouille est le motif le plus célèbre du travail de Yayoi Kusama. C’est une œuvre influencée par le fait que sa famille biologique dirigeait une entreprise de semences et que la citrouille lui était un légume familier.

« Ce qui m’a attiré vers la citrouille, c’est son apparence généreuse et sans fioritures, et sa force végétale. »

umpkin - Yayoi Kusama (ilovetypography.com)

Lee Ufan « Relationnel »

Il habite au Japon, mais il est né en Corée du Sud. Lee Ufan est un artiste du mouvement Mono.

Mono-ha est un mouvement artistique qui utilise des matériaux bruts tels que la pierre, le bois, le papier, le coton, les plaques de fer et la paraffine. L’objectif est d’exprimer l’état des choses en les utilisant comme personnages principaux avec le moins d’intervention humaine possible.

« Relatum » de Lee Ufan est une œuvre emblématique. Elle représente une grosse pierre qui repose sur une plaque de verre brisé.

« Relatum » Lee Ufan By Ted Forbes

James Turrell

James Turrell crée des installations très connues.

Il exprime la relation entre la lumière et la perception ****et produit des œuvres autour du thème de l’existence de la lumière.

« Blue Planet Sky » est une exposition permanente qui peut être vue gratuitement au 21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa.

Appelée « Chambre de Turrell », en regardant dans l’espace, il y a un ciel coupé en carré dans la partie médiane du plafond carré.

Le spectateur peut découvrir le ciel et la lumière en constante évolution.

Carn 1967 James Turell - Institute of Chicago

Anish Kapoor

L’artiste de renommée mondiale Anish Kapoor a été découvert comme lauréat du prix Turner en 1991. C’est un sculpteur indien.

Il soulève la question de la perception visuelle et de la conception spatiale sous une forme organique minimaliste. Il produit des œuvres qui intègrent le modernisme européen, le bouddhisme et la philosophie indienne.

 

Anish Kapoor Gibbs Farm, Kaipara Harbour, New Zealand

Jeff Koons

Jeff Koons a été vendu aux enchères au prix le plus élevé parmi les artistes vivants.

Il est adepte du mouvement artistique du ready-made et du pop art.

Ses œuvres expriment le kitsch avec des motifs profanes et des produits de la culture populaire.

Depuis ses débuts, il a continué à créer des œuvres à l’aide de produits prêts à l’emploi, comme ses premières œuvres « Inflatable Flower and Bunny », qui se compose de lapins en ballon et de fleurs avec des miroirs.

La série « Celebration » est une sculpture géante en acier inoxydable finition miroir, basée sur l’art du ballon.

By Rosmarie Voegtli - Jeff Koons

Andreas Gursky

Le photographe d’origine allemande Andreas Gursky est célèbre comme faisant partie de « l’école Becher ». Il a reçu les enseignements de Bernd Becher et de sa femme Hilla. Leur particularité était de prendre des photos d’anciens bâtiments de l’ère industrielle.

C’est un artiste de renommée internationale qui crée des photographies en grand format de la société moderne. Son travail est de plus en plus numérisé, dans une perspective panoramique.

« 99 cents » est produit en photographiant des magasins qui vendent des articles à 99 cents.

Cette œuvre, qui montre des produits présentés comme une rangée sans fin s’apparente à une peinture abstraite.

Shanghai, 2000 Andreas Gursky - Institute of Chicago

Felix Gonzalez Torres

D’origine cubaine, Felix Gonzalez Torres est connu comme un pionnier de l’art relationnel.

Une de ses performances « Untitled (fake medicine) » est une installation dans laquelle des bonbons d’un poids égal à son propre poids et au poids de son amant décédé du SIDA sont étalés sur le sol de la salle d’exposition. Le public peut emporter librement les bonbons à la maison. Chaque jour, les bonbons sont remplacés.

Felix Gonzalez Torres est mort du SIDA à l’âge de 38 ans.

Untilted Felix Gonzalez Torres 1993 Institute of Chicago

Cai Guo-Qiang

Cai Guo-Qiang est originaire du Fujian, en Chine. Il a déménagé au Japon en 1986.

Une de ses œuvres les plus célèbres est la performance de « Gunpowder Painting ». Elle a été produite en brulant de la poudre à canon.

Il crée de nombreuses œuvres inspirées du feng shui, des arts traditionnels chinois, de la médecine chinoise, des feux d’artifice, etc. et intègre dans ses œuvres des citations d’anciens dictons maoïstes et socialistes.

En 1999, il a reçu de nombreux prix, dont le Lion d’Or à la 48e Biennale de Venise, et a commencé à attirer l’attention du monde entier.

 

CAI GUO_QIANG Falling Back to Earth

Takashi Murakami

Takashi Murakami est un artiste japonais très connu.

« My Lonesome Cowboy » est une figure grandeur nature qui est aussi un symbole de la culture otaku, joignant la culture pop japonaise et la culture otaku au contexte de l’art occidental.

Lors de la vente aux enchères de Sotheby’s en 2008, une œuvre a été vendue pour environ 15,2 millions de dollars, établissant un record de l’enchère la plus élevée pour l’œuvre d’un artiste asiatique.

 

Mr. Pointy, 2011 Takashi Murakami

Damien Hirst

Damien Hirst est un représentant des artistes conceptuels appelés Young British Artists (YBA), qui ont émergé dans les années 1990.

Dès son plus jeune âge, il s’intéresse à la mort et, alors qu’il fréquente le Goldsmiths College, il travaille dans une morgue et photographie des corps décapités.

Dans une de ses œuvres, une vache et un veau imbibés de formol sont présentés coupés en deux dans une vitrine.

Cette œuvre choquante a été exposée à la Biennale de Venise en 1993 et a reçu le prix Turner.

Still, 1994 Damien Hirst - Institute of Chicago

Leandro Erlich

L’artiste argentin Leandro Erlich est connu pour ses œuvres riches en humour, qui traitent de la vue et de la perception.

« À l’aide d’illusions d’optique, j’explore la façon dont les gens perçoivent et interagissent avec une scène familière lorsqu’elle se transforme en un espace étrange. »

Un « bâtiment » avec une personne accrochée à la façade, joue avec la gravité.

La façade est au sol, face à un grand miroir incliné à un angle d’environ 45 degrés.

 

Leandro Erlich "The Swimming Pool By Kentaro Ohno - 21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa

KAWS

Kaws est un graffeur. C’est un créateur de jouets et un sculpteur.

Il produit des œuvres qui fusionnent l’art et les jouets en réalisant des ballons et des sculptures. Il utilise des personnages célèbres tels que le personnage « Companion » aux yeux de batten et Snoopy comme motifs.

« The KAWS Album » est une œuvre basée sur l’album des Beatles « Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band » et l’animé The Simpsons.

KAWS Yorkshire Sculpture Park by Jacquemart

Banksy

Banksy, se dit « graffeur masqué ». Il vit en Angleterre.

Il est célèbre pour avoir vendu une œuvre qui s’est autodétruite juste après sa vente aux enchères.

Banksy a changé le titre de l’œuvre en « Love is in the Trash Can ».

Blue lights-Teamlab, Tokyo by Kaz Empson

Sculpteurs contemporains, la révolution!

Jusqu’à nos jours la sculpture était principalement représentative. Un grand virage s’opère avec la sculpture contemporaine. Les règles anciennes semblent avoir disparu pour de nombreux artistes. La multiplication des matières synthétiques et la réutilisation d’objets quotidiens participent à la production d’un art tridimensionnel nouveau.

Beaucoup de sculpteurs contemporains accordent une grande importance au travail technique de la matière. Le gigantisme est un récent terrain d’expérimentation.

Aurelien Guiho - Marée noire

Photographe contemporain

La principale interrogation des nouveaux photographes concerne la réappropriation des pratiques antérieures. Si la photographie de presse reste un témoignage direct du monde actuel, que dire de ces travaux hybrides entre photo et traitement numérique ? Parfois, c’est le contexte qui amène le caractère principal d’un cliché, mais souvent, c’est la transformation digitale qui constitue l’intérêt de l’œuvre photographique. Le photographe contemporain se trouve aujourd’hui face à une multitude de possibilités et de choix, qui vont de la photo argentique au traitement numérique des photos, en passant par toutes les formes hybrides et les traitements divers. Un nouveau monde de création s’ouvre à l’artiste photographe.

La photographie contemporaine reste un art populaire et très dynamique. L’avènement du numérique change aussi la manière de produire des œuvres, alors que la photographie argentique se redécouvre et fait chaque jour de nouveaux adeptes, tant chez les artistes professionnels que chez les amateurs. Le monde des cryptomonnaies et des blockchains bouleverse actuellement le marché, notamment avec les NFT.

Jacob Berghoef

Artiste peintre contemporain

Se définir comme un artiste peintre contemporain nécessite de répondre à des questions qui concernent notre époque sur la pratique de la peinture, mais surtout sur la dynamique de nos sociétés et la manière dont l’art contemporain peut changer notre regard et influer sur les événements de la vie.

À notre époque, un artiste doit s’ancrer dans une réalité sociale, économique et culturelle. Il doit inventer de nouvelles pratiques de l’art dans un contexte qu’il connait bien. Il doit s’émanciper du pouvoir des galeries d’art en diversifiant ses circuits de vente.

 

Le chant du cosmos - Sylvie Gedda - art4you.gallery

 

Les artistes contemporains posent un regard neuf et implacable sur leur époque.

Par ailleurs, ils participent à une prise de conscience au sein de notre société, au même titre que les scientifiques, sur les dérèglements de notre environnement en termes de climat, de biodiversité, de surconsommation, etc. On pourrait rajouter les problématiques d’instabilité sociales et politiques. Le but de la plupart de ces artistes est de modifier notre regard sur l’art pour nous interroger sur notre avenir.

Les nouvelles technologies ne sont pas utilisées pour ce qu’elles sont, mais pour ce qu’elles produisent sur l’esprit. C’est en réalité une quête d’un nouveau rapport au réel que les artistes contemporains recherchent inlassablement.

Art4you Gallery n’a pas dans son catalogue de stars survalorisées. Cependant, nous avons réuni une collection d’œuvres de grande qualité, disponibles dans notre boutique en ligne.

Les artistes Art4You et leurs oeuvres ont été soigneusement sélectionnés par nos soins, pour la qualité et la maîtrise de leur travail, mais également pour leur grande valeur artistique. Nous croyons en eux, à leur travail, et nous partageons leurs valeurs.

Peintres, sculpteurs et photographes vous présentent leurs collections, leurs créations d’art contemporain.

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