Der abstrakte Maler
Abstrakte Malerei ist ein wichtiger Bestandteil der modernen Kunst. Für figurative Maler eröffnet dieser neue Zweig der bildenden Kunst eine völlig neue Welt. Ihre Prinzipien sind grundlegend anders. Vor der Entstehung der abstrakten Malerei hatte jedes Werk ein Sujet oder Motiv, beispielsweise Porträts, Landschaften oder Stillleben. Der zeitgenössische Maler muss die Realität nicht mehr abbilden, um Emotionen oder eine Reflexion über die Welt zu erzeugen. Dies ist ein fundamentaler Unterschied. Dieser Artikel bietet einen historischen Überblick über die Entstehung dieser Kunstrichtung. Er soll Ihnen Wissen vermitteln, das Ihnen hilft, diese Kunst bei zukünftigen Museums- oder Ausstellungsbesuchen besser zu verstehen. Viele Menschen glauben jedoch, dass abstrakte Malerei schwer verständlich ist.
Die Anfänge der abstrakten Kunst
Um 1910–1930 erlebte die Malerei eine Revolution: die Abstraktion entstand. Erstmals wagten es Maler, Gemälde ohne erkennbares Motiv auszustellen. Die Werke bezogen sich nur auf sich selbst und brachten allein die Kraft von Farbe und Linie zum Ausdruck.
Diese künstlerische Umwälzung ereignete sich zeitgleich in Moskau, Paris und München am Vorabend des Ersten Weltkriegs. Die bekannteste dieser Bewegungen ist der Kubismus, begründet von Braque und Picasso. Letzterer war selbst vom Postimpressionismus Cézannes, des Vaters der modernen Malerei, beeinflusst.
Später, während des Ersten Weltkriegs, entstand der Surrealismus, der teilweise von der Psychoanalyse und dem Dadaismus beeinflusst war. Er lehnte die antiästhetische Haltung ab und etablierte den Rahmen der abstrakten Malerei. Der Surrealismus übte einen bedeutenden Einfluss auf die abstrakte Malerei aus.
Das Trauma des Ersten Weltkriegs brachte neue, teils esoterische Spiritualitäten hervor, die in den Künsten Ausdruck suchten. Die mit Sigmund Freud neu entstandene Psychoanalyse spielte ebenfalls eine bedeutende Rolle bei der Entstehung dieser neuen Kunst. Wissenschaftliche und technologische Fortschritte trugen zweifellos auch dazu bei. Im Nachkriegskontext des frühen 20. Jahrhunderts trat die sichtbare Realität in der Kunst deutlich in den Hintergrund, während mentale Repräsentationen an Bedeutung gewannen. Die Schrecken des Krieges ließen sich nicht länger durch einfache Bilder ausdrücken. Es galt, tiefer in die Suche nach reinen Emotionen einzutauchen. Für manche Maler eröffnete dieses neue Paradigma schließlich ein neues ästhetisches Universum.
Von da an erforschte die abstrakte Malerei neue ästhetische Formen. Zwischen 1911 und 1917 entstanden gleichzeitig verschiedene Stile der Abstraktion mit ihren Begründern : František Kupka , Wassily Kandinsky , Kasimir Malewitsch und Piet Mondrian .
Die drei Haupttypen der Abstraktion
Drei Strömungen der Abstraktion lassen sich besonders gut unterscheiden: die warme Abstraktion, die kalte Abstraktion und die informelle Malerei. Erwähnenswert ist, dass Wassili Kandinsky das erste abstrakte Aquarell schuf.
Im Gegensatz zur sogenannten „warmen“ Abstraktion gibt es die „kalte“ Abstraktion, die der geometrischen Abstraktion entspricht. Mit Strichen, Linien, Quadraten, Kreisen und Dreiecken ist die geometrische Malerei eine Kunstform, die die reine Form in den Vordergrund stellt. Informelle Malerei hingegen ist intuitiv.
Spontaneität: warme Abstraktion
Wassily Kandinsky gilt als Vater der warmen Abstraktion, auch bekannt als lyrische Abstraktion . Diese Technik betont die Spontaneität, um pure Emotionen auf der Leinwand freizusetzen. Intellektuelle Prozesse spielen bei dieser kreativen Form keine Rolle. Allein Geste und Gefühl bestimmen das Bild.
Strenge: kalte Abstraktion
Zur gleichen Zeit konzentrierten sich einige Künstler darauf, das Wesen der Ästhetik durch Geometrie auszudrücken. Dies war insbesondere das Bestreben des Malers Piet Mondrian . Für ihn lagen die Grundlagen der abstrakten Malerei in geometrischen Formen. Diese Formen setzten sich aus den elementaren Bausteinen Quadrat und Dreieck in Primärfarben zusammen. Praktisch gesehen erforderte diese strenge Abstraktion eine hohe Harmonie von Farben und Formen.
Informelle Malerei
Der Begriff „informell“ wurde erstmals 1951 von Michel Tapié . Informelle Kunst steht für neue, extreme Experimente.
Zu den bekanntesten Vertretern zählen Willem de Kooning, Jackson Pollock und Georges Mathieu. Die informelle Malerei zeichnet sich durch ihre Abgrenzung vom Kubismus und Surrealismus aus. Sie definiert sich durch das Streben nach einer harmonischen Einheit von Formen und Farben auf der Leinwand. Die Proportionen der Bildelemente ergeben sich intuitiv aus der Geste des Malers. Es handelt sich um ein abstraktes Gemälde, dessen ästhetische Bedeutung im Moment des Malens neu berechnet wird.
Auf dem Weg zu einem neuen zeitgenössischen abstrakten Maler
Die Haltung des Malers gegenüber der Abstraktion wandelt sich allmählich, sobald der anfängliche Schock der Entdeckung nachlässt. Nicht länger ein Eroberer, sondern ein Künstler wie jeder andere, hält die abstrakte Kunst Einzug in die Malschulen. Ihre Lehre wird akademisch und löst zahlreiche Debatten über die Vermischung der Genres aus. Gerhard Richter ist ein bedeutendes Beispiel dafür; er vollzog den Übergang von der figurativen zur abstrakten Kunst mit großer Meisterschaft. Damit folgt er dem Beispiel Wassily Kandinskys. Der Konflikt zwischen figurativer und abstrakter Kunst legt sich und eröffnet Künstlern, die sich nicht länger auf einen bestimmten Stil festgelegt fühlen, neue Wege. Dies gibt ihrer Fantasie freien Lauf, befreit von den Zwängen der Vergangenheit. Das Erbe der ersten abstrakten Maler ist beträchtlich und regt weiterhin zum Nachdenken über das Wesen der Ästhetik an.
Wie man abstrakte Maler wertschätzen kann
Abstrakte Gemälde verzichten auf spezifische Motive, und manche Menschen reagieren negativ darauf. In diesem Artikel gehen wir der Frage nach, wie man abstrakte Kunst wertschätzen kann.
Lernen zu sehen
„Das sieht nach nichts aus“ oder „Das könnte auch ein Kind machen.“ Solche Bemerkungen hört man manchmal auf Ausstellungen abstrakter Kunst.
Im Alltag sind wir es gewohnt, uns mit der Realität auseinanderzusetzen. Abstraktion hingegen lässt unseren Verstand keine logische Erklärung für das Gesehene erfassen. Diese geht verloren, und so wirkt allein das Bild.
Um uns mit abstrakter Malerei vertraut zu machen, lernen wir, die Welt um uns herum jenseits der sie definierenden Konzepte zu betrachten. Ein Baum kann als Ansammlung grüner Flecken gesehen werden, die von dunkleren Linien durchzogen sind. Senkt man die Augenlider, sodass nur ein schmaler Lichtstreifen hindurchfällt, verändert sich die Wahrnehmung. Das Bild wird verschwommener und beinahe unwirklich. Konzentrieren Sie sich also auf die Formen und Farben, ohne zu versuchen, das Gesehene zu definieren. Diese Erfahrung sollte Ihnen helfen, ein abstraktes Gemälde besser zu betrachten.
Abstrakte Malerei ist nicht der Name einer Kunstrichtung. Sie ist ein bildnerischer Ausdruck, der sich von der klassischen Malerei gelöst hat. Im kreativen Prozess reagieren Maler ähnlich wie man selbst, wenn man sich bewusst von Konzepten distanziert. Der Akt des Sehens ist daher ebenfalls ein kreativer Akt.
„Alle Formen in der Natur werden mit Zylindern, Kugeln und Kegeln behandelt.“ Paul Cézanne.
Genießen Sie einfach die Schönheit
Eine Möglichkeit, Kunst zu genießen, besteht darin, den Blick schweifen zu lassen, ohne alles verstehen zu wollen. Sind die Farben leuchtend und ansprechend, die Komposition ausdrucksstark und die Textur der Farbe interessant? Dann lassen Sie sich vom Bild verzaubern.
Eine angenehme Methode ist es, das Gesehene mit Musik zu assoziieren. Musikalische Harmonie und Malerei haben Gemeinsamkeiten. Dasselbe gilt für die Poesie, die die Musik der Worte ist.
Synästhesie ist eine besondere Fähigkeit, Farben mit Musiknoten, aber auch mit Buchstaben zu assoziieren. Wassily Kandinsky, einer der Begründer der abstrakten Malerei, war synästhetisch. Daher ist es nicht ungewöhnlich, beim Betrachten seiner Werke an Musik zu denken.
Kontext und Bedeutung verstehen
Es ist gut, ein Kunstwerk mit den eigenen Empfindungen zu betrachten. Doch wenn man den Kontext seiner Entstehung versteht, wird der Genuss umso tiefer. Kenntnisse über Kunstrichtungen und insbesondere über Künstler helfen dabei, in das Werk einzutauchen. Das Gemälde vor einem wird Teil der großen Kunstgeschichte, und man fühlt sich, als wäre man Zeuge ihrer Entstehung.
Die künstlerischen Strömungen der abstrakten Malerei
Kubismus (um 1907)
Der Kubismus wird Georges Braque und Pablo Picasso zugeschrieben.
Bis dahin wurden figurative Gemälde von einem einzigen Objekt gezeichnet, doch der Kubismus erfand eine Methode, die es ermöglichte, die Form des Objekts aus verschiedenen Blickwinkeln in einem einzigen Bild festzuhalten.
Diese Technik, die viele Künstler überraschte, ist bis heute erhalten geblieben. Sie zählt zu den wichtigsten Erfindungen in der Geschichte der modernen Kunst.
Ausdrucksstarke Abstraktion
Die reine abstrakte Malerei wird auch als „selbstausdrucksvolle Abstraktion“ bezeichnet. Es handelt sich um abstrakte Malerei, die das innere Selbst als Grundlage für kreatives Handeln nutzt.
Wassili Kandinsky ist ein repräsentativer Künstler dieser Art abstrakter Malerei. Er war stark von der mystischen und ganzheitlichen Weltanschauung der russischen Symbolisten sowie von der Theosophie beeinflusst, mit der er sich ab 1908 auseinandersetzte.
Neoplastizismus (um 1920)
Der Neoplastizismus ist eine von Mondrian entwickelte Theorie der geometrischen Abstraktion. 1911 war Mondrian tief beeindruckt von Picassos kubistischen Werken. Er reiste nach Paris und führte Gespräche mit verschiedenen Malern. Dabei gelangte er zu der Überzeugung, dass der Kubismus sich vom reinen Konzept der Abstraktion entfernte. Für Mondrian war es unerlässlich, zum Kern der Sache vorzudringen. Für ihn waren geometrische Formen und Primärfarben die Essenz abstrakter Kunst. Seine Ideen inspirierten später die Minimalisten.
Action Painting (um 1950)
Der abstrakte Expressionist Jackson Pollock gilt als Hauptvertreter des „Action Painting“. Dieser Stil zeichnet sich durch gestische Mittel wie Spritzer, Tropfen oder breite Pinselstriche aus. Bedeutung und Ästhetik entstehen aus den Bewegungen des Malers.
Farbfeld (um 1950)
Ein Farbfeld ist eine Bildsprache, bei der eine farbige Fläche einen Großteil der Leinwand einnimmt. Die gesamte Leinwand ist vollkommen glatt, ohne Zentrum oder Fokuspunkt. Sie enthält wenige Muster und keine Objekte. Jede Farbe und jede geometrische Linie spielt eine wichtige Rolle. Künstler des Abstrakten Expressionismus wie Barnett Newman, Mark Rothko und Ronald Davis sind repräsentativ für diese Bewegung.
Zehn renommierte abstrakte Maler!
Kasimir Malewitsch
Kasimir Malewitsch (1878–1935) war einer der russischen Avantgarde-Künstler, die den Suprematismus prägten. In Paris kam Malewitsch mit dem Kubismus in Berührung, und sein Stil entwickelte sich hin zur reinen geometrischen Abstraktion. Sein repräsentatives Werk „Schwarzes Quadrat“ ist sein erstes abstraktes Gemälde. Es befindet sich heute in der Tretjakow-Galerie in Russland. Auch „Malerischer Realismus eines Fußballspielers“ zählt zu den bedeutendsten Werken seines Schaffens.
Malewitsch eliminierte jegliche Bedeutung seiner Gemälde. Er etablierte einen Stil, der sich auf die Darstellung minimalistischer Formen wie Quadrate, Dreiecke und Kreise beschränkte; dies ist der Suprematismus . Kasimir Malewitsch konnte sich jedoch in seinem Heimatland, der Sowjetunion, nicht frei entfalten. Satlin hatte seine Malerei verboten, was ihn zwang, sich der figurativen Malerei zuzuwenden, um den Konzentrationslagern zu entgehen. Dies beendete seine Karriere im Alter von 57 Jahren.
Wassily Kandinsky
Wassily Kandinsky (1866–1944) war ein Pionier der russischen abstrakten Malerei. Klassisch ausgebildet, beherrschte er die figurative Kunst, doch er wollte mehr als nur die Realität ausdrücken und wandte sich der Abstraktion zu. Ab den frühen 1910er-Jahren gab er die figurative Kunst auf, und seine Gemälde wurden zu einer Symphonie aus leuchtenden, pulsierenden Farbflecken. Diese Stilrichtung ist als warme oder lyrische Abstraktion bekannt.
Kandinskys warme Abstraktion war von Monets „Heuhaufen “ inspiriert. Wassili Kandinsky gilt als einer der Begründer der abstrakten Kunst. Für ihn ist Malerei die Sprache des Gefühls, die mit Formen und Farben ausdrückt, was Worte nicht vermögen. Bei Kandinsky erlangt die Kunst absolute Freiheit, und alles wird möglich.
Kandinsky unterteilt seine Werke nach der Distanz zum Objekt in drei Typen: „Impression“, „Improvisation“ und „Komposition“.
Pablo Picasso
Pablo Picasso (25. Oktober 1881 – 8. April 1973) war ein spanischer Maler, Bildhauer, Grafiker und Keramiker, der den Großteil seines Erwachsenenlebens in Frankreich verbrachte. Er zählt zu den einflussreichsten Künstlern des 20. Jahrhunderts und gilt als Begründer des Kubismus. Picassos künstlerischer Stil war facettenreich und umfasste alle Bereiche der bildenden Kunst.
Paul Klee
Paul Klee (1879–1940) war ein Schweizer Maler und gehörte zusammen mit Kandinsky und anderen zur Künstlergruppe „ Blauer Reiter“ . Er lehrte auch am Bauhaus .
Klee kam schon in jungen Jahren mit Musik in Berührung. Bereits mit elf Jahren spielte er im Berner Orchester. Sein Interesse an der Malerei führte ihn jedoch schließlich zu einer Karriere in diesem Bereich. Er wurde vom Expressionismus, Kubismus und Surrealismus beeinflusst.
Klees Stil zeichnet sich durch leuchtende Farben aus. Nach einer Reise nach Tunesien wurde er sich der Ausdruckskraft der Farbe bewusst. Er sagte, er und die Farbe seien eins.
Joan Miró
Joan Miró (1893–1983) war ein spanischer Maler, der ebenso einflussreich war wie Picasso und Dalí. Inspiriert vom Surrealismus die Sonne, vermitteln dem Betrachter den Eindruck explosiver Energie.
Miro lebte in Armut, bis sein Freund Ernest Hemingway eines seiner Hauptwerke, „Die Farm“, kaufte.
Piet Mondrian
Piet Mondrian (1872–1944) gilt als Vater der abstrakten Malerei in den Niederlanden. Sein Werk, das sich von dem Kandinskys unterschied, ist als „kalte Abstraktion“ bekannt. Mondrian war eine Schlüsselfigur der niederländischen Kunstbewegung und beeinflusste auch das Bauhaus. Sein künstlerischer Ausdruck reduzierte Farben und Formen auf das Allernötigste. Durch Yves Saint Laurent hatte sein Werk 1965 einen bedeutenden Einfluss auf die Mode, insbesondere mit dem ikonischen Gemälde „Komposition 2: Rot, Blau und Gelb“, das zum Synonym für den „Mondrian-Look“ wurde. Sein Einfluss sollte später den Minimalismus begründen.
Jackson Pollock
Jackson Pollock (1912–1956) wurde in den Vereinigten Staaten geboren. Er war die führende Figur des „ Action Painting “, einer Technik, bei der keine Pinsel verwendet werden, sondern Farbe auf eine auf dem Boden liegende Leinwand getropft und gespritzt wird .
Beeinflusst von Miró, drückte sich Pollock durch Aktionen aus, die auf dem Konzept des Unbewussten basierten. Er ist einer der bekanntesten Vertreter des „abstrakten Expressionismus“.
Jackson Pollock litt lange Zeit unter Alkoholismus und starb 1956 im Alter von 44 Jahren plötzlich. Nach einer Trunkenheitsfahrt prallte er gegen einen Baum.
Mark Rothko
Der russisch-jüdisch-amerikanische Maler Mark Rothko (1903–1970) zählt zu den prägendsten Figuren der Nachkriegskunst. Als fleißiger Student verließ Rothko die Yale University, um eine künstlerische Laufbahn einzuschlagen. Seine Kenntnisse der griechischen Mythologie brachten ihn den Surrealisten näher. Auch der deutsche Philosoph Friedrich Nietzsche beeinflusste ihn. Der „Rothko-Stil“ zeichnet sich durch seine spirituell aufgeladene Farbgebung aus; er ist eine meditative Kunstform.
Frank Stella
Der amerikanische Maler und Bildhauer Frank Stella wurde 1936 geboren. Neben dem abstrakten Expressionismus gilt er auch als eine der führenden Figuren der Minimal Art. Stella studierte Kunstgeschichte an der Princeton University. Später, inspiriert von Jasper Johns , reduzierte er seine Gemälde auf ein absolutes Minimum an Elementen und schuf so die „Black Painting Series“.
Stella bricht mit dem abstrakten Expressionismus und beschreibt ihre Arbeit als „eine flache, bemalte Oberfläche, nichts weiter“.
1959 wurde er für die 16. American Artists Exhibition (Museum of Modern Art, New York) ausgewählt, und im darauffolgenden Jahr organisierte er eine Einzelausstellung in der Leo Castelli Gallery , einer legendären Galerie, die die amerikanische Kunst der Nachkriegszeit maßgeblich prägte.
Barnett Newman
Barnett Newman (1905–1970) war neben Pollock und Rothko eine Schlüsselfigur des Abstrakten Expressionismus und des Action Painting. Geboren in New York City als Sohn russisch-jüdischer Einwanderer, arbeitete Newman als Kritiker und Kurator, bevor er 1944 im Alter von 40 Jahren seine Malerei begann. Sein Stil zeichnet sich durch einen gleichmäßigen Farbauftrag aus, der von einer oder mehreren vertikalen Linien, den sogenannten „Zips“, unterbrochen wird.
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