L’artiste peintre abstrait

La « peinture abstraite » est une partie importante de l’art moderne. Pour l’artiste peintre figuratif, cette nouvelle branche des arts plastiques est un monde à découvrir. Les codes qui la composent sont simplement différents. Avant la naissance de la peinture abstraite, chaque œuvre avait un sujet ou un motif, par exemple, le portrait, les paysages, les natures mortes. L’artiste peintre contemporain n’a plus besoin de représenter le réel pour créer de l’émotion ou une réflexion sur le monde. C’est une différence fondamentale. Cet article vous donne quelques bases historiques sur l’apparition de ce mouvement. Son but est de vous proposer quelques connaissances qui vont mieux vous permettre d’apprécier cet art lors de vos futures visites dans des musées ou des expositions. Cependant, beaucoup de personnes pensent que la peinture abstraite est difficile à aborder.

Les débuts de l’art abstrait

Vers les années 1910 −1930, un bouleversement intervient dans la peinture. L’apparition de l’abstraction. Pour la première fois, des peintres osent exposer des tableaux sans aucun motif reconnaissable. Les œuvres ne renvoient qu’à elles-mêmes. Elle n’exprime que la seule force des couleurs et des traits.

Ce bouleversement artistique s’est produit simultanément à Moscou, Paris et Munich, à la veille de la Première Guerre mondiale. La plus connue de ces tendances est le cubisme, fondé par Braque et Picasso. Ce dernier a lui-même été influencé par le post-impressionnisme de Cézanne, que l’on nomme le père de la peinture moderne.

Plus tard, pendant la Première Guerre mondiale, apparait le surréalisme, issu en partie de la psychanalyse et du Dadaisme. Il rejette l’attitude anti-esthétique et le cadre établi de la peinture abstraite. Le surréalisme a eu une grande influence sur la peinture abstraite.

Le traumatisme de la guerre de 14-18 favorise de nouvelles spiritualités plus ou moins ésotériques qui cherchent à s’exprimer dans les arts. La psychanalyse nouvellement apparue avec Sigmund Freud joue aussi un rôle important dans la naissance d’un nouvel art. Les avancées scientifiques et techniques jouent sans doute aussi un rôle. Dans ce contexte d’après-guerre du début du 20e siècle, la réalité visible devient certainement moins prégnante en art que les représentations mentales. Les horreurs de la guerre ne peuvent plus être exprimées par de simples images. Il faut aller plus loin dans la recherche de l’émotion pure. Pour certains peintres, avec ce nouveau paradigme, un univers esthétique s’ouvre enfin.

Dès lors, la peinture abstraite explore de nouvelles formes esthétiques. Différents styles d’abstraction naissent simultanément de 1911 à 1917 avec ses fondateurs ; Frantisek Kupka,Vassily KandinskyKasimir Malevitch et Piet Mondrian.

Les trois types principaux de l’abstraction

De l’abstraction, trois branches se distinguent, à savoir l’abstraction chaude et froide et la peinture informelle. À noter que Vasily Kandinsky est le créateur de la première aquarelle abstraite.

À l’opposé de l’abstraction dite chaude, on retrouve l’abstraction froide qui correspond à l’abstraction géométrique. Avec des traits, des lignes, des carrés, des ronds et des triangles, la peinture géométrique est un art qui privilégie la plastique pure. La peinture informelle est instinctive.

La spontanéité : l’abstraction chaude

Wassily Kandinski est le père de l’abstraction chaude, que l’on nomme aussi l’abstraction lyrique. Cette technique prône la spontanéité pour libérer sur la toile l’émotion pure. Il n’y a aucun processus intellectuel dans cette forme créative. Seuls le geste et les émotions prédominent.

La rigueur : l’abstraction froide

Pendant la même période, certains artistes s’attachent à exprimer l’essence de l’esthétique par la géométrie. C’est notamment la recherche du peintre Piet Mondrian. Pour lui, les bases d’une peinture abstraite doivent passer par les formes géométriques. Elles doivent être composées de ces briques élémentaires que sont les carrés, les triangles, de couleurs primaires. Concrètement, l’abstraction froide demande de la rigueur dans l’harmonie des couleurs et des formes.

La peinture informelle

Le terme « informel » est utilisé pour la première fois en 1951 par Michel Tapié. L’art informel correspond à de nouvelles expériences extrêmes.

Les meilleurs représentants sont Willem de Kooning, Jackson Pollock et Georges Mathieu. La peinture informelle se caractérise par une opposition au cubisme et au surréalisme. Elle peut se définir par la recherche, sur la toile, d’une unité harmonieuse des formes et des couleurs. Les proportions entre les éléments picturaux sont instinctivement définies avec le geste du peintre. C’est une peinture abstraite composée de signes dont le sens esthétique est calculé en temps réel.

 

Vers un nouveau peintre abstrait contemporain

Le changement d’attitude du peintre devant l’abstraction change progressivement lorsque se détache de lui le poids de la découverte. Il n’est plus un conquérant, mais un artiste au même titre que tous les autres. L’art abstrait entre dans les écoles de peinture. Son enseignement devient académique, provoquant de nombreux débats sur les mélanges de genres. Gerhard Richter en est un modèle significatif, passant du figuratif à l’abstrait avec une grande maîtrise. En cela, il reste dans les pas de Vassily Kandinsky. Le conflit figuratif et abstrait se calme et ouvre de nouvelles voies aux artistes qui ne se sentent plus enfermés dans un style donné. Il laisse libre cours à leur imagination sans les contraintes du passé. L’héritage des premiers peintres abstraits est considérable et stimule toujours une réflexion sur la nature de l’esthétique.

Comment apprécier les peintres abstraits

Les peintures abstraites sont dénuées de motifs spécifiques et certaines personnes peuvent avoir une réaction négative à les regarder. Nous allons voir ensemble dans cet article, comment apprécier la peinture abstraite.

Apprendre à voir

« Cela ne ressemble à rien » ou bien : « Un enfant pourrait le faire ». C’est le genre de remarque que l’on entend parfois lors d’expositions d’art abstrait.

Nous sommes habitués dans notre vie quotidienne à composer avec le réel. Avec l’abstraction, notre esprit ne peut pas se raccrocher à une explication logique de ce qui est vu. Il est perdu et c’est alors la seule force de l’image qui opère.

Pour se familiariser avec la peinture abstraite, apprenons à regarder le monde autour de nous en dehors des concepts qui le définissent. Un arbre peut être vu comme un ensemble de taches vertes traversées par des lignes plus sombres. En abaissant les paupières de telle sorte qu’elles ne laissent passer qu’un fil de lumière, la vision change. Elle devient plus floue et presque irréelle. Alors, concentrez-vous sur les formes et les couleurs, sans chercher à définir ce que vous voyiez. Cette expérience doit vous rapprocher de la meilleure façon de regarder un tableau abstrait.

La peinture abstraite n’est pas le nom d’un mouvement artistique. C’est une expression picturale qui s’est détachée de la peinture classique. Dans le processus de création, les peintres réagissent comme vous, lorsque vous faites l’effort de vous détacher des concepts. L’acte de regarder est donc aussi un acte créatif.

« Toutes les formes dans la nature sont traitées avec des cylindres, des sphères et des cônes ». Paul Cézanne.

Profitez simplement de la beauté

L’une des manières d’apprécier les œuvres est de laisser aller son regard sans chercher à comprendre. Les couleurs sont vives et ravissantes, la composition est audacieuse et la texture de la peinture est intéressante ? Alors, laissez-vous envahir par l’image.

Une méthode plaisante est d’associer ce que vous voyez à de la musique. L’harmonie musicale et la peinture ont des points communs. Il en est de même pour la poésie, qui est la musique des mots.

La synesthésie est une particularité qui permet aux personnes d’associer des couleurs à des notes musicales, mais également à des lettres. Wasily Kandinsky, l’un des fondateurs de la peinture abstraite, était synesthésique. Ainsi, il n’est pas incongru de penser à de la musique en regardant ses œuvres.

Comprendre le contexte et la signification

C’est bien d’apprécier une œuvre avec votre sensibilité. Cependant, si vous connaissez le contexte de la création de cette œuvre, votre plaisir sera beaucoup plus profond. La connaissance des mouvements artistiques et des artistes en particulier vous aide à « entrer » dans les œuvres. Le tableau que vous avez devant les yeux devient une part de la grande histoire de l’art et vous avez la sensation d’en être le témoin.

Les mouvements artistiques de la peinture abstraite

Cubisme (vers 1907)

Le cubisme est attribué à Georges Braque et Pablo Picasso.

Jusqu’alors, les peintures figuratives étaient dessinées à partir d’un seul objet, mais le cubisme a inventé une méthode pour capturer la forme de l’objet vu sous différents angles et en une seule image.

Cette technique, qui a surpris de nombreux artistes, a été transmise jusqu’à nos jours. C’est l’une des inventions les plus importantes de l’histoire de l’art moderne.

Pablo Picasso Nude under a Pine Tree 1959 - Institute of Chicago

Abstraction expressive

La peinture abstraite pure est également appelée « abstraction auto-expressive ». C’est une peinture abstraite qui utilise le Moi intérieur comme base de l’action créative.

Vasily Kandinsky est un artiste représentatif de ce type de peinture abstraite. Il est fortement influencé par la vision du monde mystique et globale des symbolistes russes, ainsi que par la théosophie à laquelle il commence à s’intéresser à partir de 1908.

Vasily Kandinsky Untitled 1922 - Institute of Chicago

Néoplasticisme (vers 1920)

Le néoplasticisme est une théorie de l’art abstrait géométrique proposée par Mondrian. En 1911, Mondrian est profondément impressionné par les œuvres cubistes de Picasso. Il se rend à Paris et approfondit les échanges avec divers peintres. C’est alors qu’il considère que le cubisme s’éloigne de la conception pure de l’abstraction. Pour le peintre, il faut aller à l’essentiel. Pour lui, les formes géométriques et les couleurs primaires sont l’essence de l’art abstrait. Sa pensée inspirera plus tard les minimalistes.

Mondrian Gray - red 1935 Institute of Chicago

Action painting (vers 1950)

L’artiste expressionniste abstrait Jackson Pollock est la figure de proue de « l’action painting ». C’est un style dans lequel on utilise le geste en éclaboussures, en coulures ou grands coups de pinceau. Le sens et l’esthétique proviennent des mouvements du peintre.

Jack Tworkov - Height 1958/59 - Institute of Chicago

Color Field (vers 1950)

Un champ de couleur est une expression picturale dans laquelle une « surface » colorée occupe une grande partie de l’écran. La toile entière est complètement lisse sans centre ni point de focal. Elle ne possède que peu de motifs et pas objet. Chaque couleur ou ligne géométrique joue un rôle important. Les artistes, qui appartiennent à l’expressionnisme abstrait, tels que Barnett Newman et Mark Rothko, Ronald Davis, sont représentatifs de ce mouvement.

Ronald Davis Cube and vent 1975 - Institute of Chicago

Dix peintres abstraits de renom !

Kazimir Malevich

Kazimir Malevich (1878-1935) est l’un des artistes d’avant-garde russe qui a créé le concept de suprématisme. Malevitch a rencontré le cubisme à Paris et son style s’est déplacé vers l’abstraction géométrique pure. Son œuvre représentative « Black Square » est sa première peinture abstraite. Elle se trouve maintenant à la galerie Tretiakov en Russie. « Painterly Realism of a Football Player » est aussi une œuvre très rsignificative de son travail.

Malevich a entièrement éliminé le sens contenu dans ses peintures. IL établit un style qui consiste à représenter des formes minimales telles que des carrés, des triangles et des cercles, c’est le suprématisme. Cependant, Kazimir Malevich ne pouvant s’exprimer dans son pays, l’Union soviétique. Satline ayant interdit sa peinture, il doit se tourner vers la peinture figurative afin d’éviter les camps mettant fin à sa carrière à l’âge de 57 ans.

Kazimir Malevich - Painterly Realism of a Football Player—Color Masses in the 4th Dimension Summer/fall 1915 Institute of Chicago

Wasily Kandinsky

Wasily Kandinsky (1866-1944), est un pionnier de la peinture abstraite russe. De formation classique, il maîtrise l’art figuratif, mais il veut exprimer plus que la réalité et se tourne vers l’abstraction. Dès le début des années 1910, il renonce au figuratif et ses tableaux deviennent une symphonie de taches colorées qui éclatent en tous sens. C’est ce que l’on appelle l’abstraction chaude ou l’abstraction lyrique.

L’abstraction chaude, par Kandinsky, est inspirée des « meules de foin » de Monet. Vasily Kandinsky est l’un des fondateurs de l’art abstrait. La peinture est pour lui le langage de la sensibilité, qui dit avec des formes et des couleurs ce que les mots ne peuvent exprimer. Avec Kandinsky, l’art gagne une liberté absolue et tout devient possible.

Kandinsky divise ses œuvres en trois types selon la distance de l’objet : « impression », « improvisation » et « composition ».

Vasily Kandinsky Improvisation 1913 - Institute of Chicago

Pablo Picasso

Pablo Picasso (25 octobre 1881 – 8 avril 1973) était un peintre, sculpteur, graveur, céramiste espagnol qui a passé la majeure partie de sa vie d’adulte en France. Il est l’un des artistes les plus influents du XXe siècle et fondateur du mouvement cubiste. De plus, le style artistique de Picasso est pluriel englobant tous les arts plastiques.

Autumn 1910 - Institute of Chicago - Pablo Picasso - Daniel-Henry Kahnweiler autu

Paul Klee

Paul Klee (1879-1940) est un peintre suisse qui a fait partie du groupe de peintres « Le Cavalier bleu » avec Kandinsky et d’autres. Il a aussi enseigné au Bauhaus.

Klee était familier avec la musique dès son plus jeune âge. Il participe à l’orchestre de Berne dès l’âge de 11 ans. Cependant, son intérêt pour la peinture l’a amené à poursuivre sa carrière dans cette voie. Il a été influencé par l’expressionnisme, le cubisme et le surréalisme.

Le style de Klee se caractérise par des couleurs riches. Après un voyage en Tunisie, il prend conscience de l’expression de la couleur. Il disait que la couleur et lui ne faisaient qu’un.

Paul Klee Sunset 1930 Institute of Chicago

Joan Miro

Joan Miró (1893-1983) est un peintre espagnol aussi influent que Picasso et Dali. Inspiré par le [suréalisme](https://museeduluxembourg.fr/fr/actualite/quest-ce-que-le-surrealisme#:~:text=Le surréalisme est un mouvement,de la première guerre mondiale.) , sa peinture est souvent décrite comme de l’abstrait surréaliste. La présence sur ses toiles de nombreux symboles tels que des oiseaux, des étoiles et le soleil donne une impression d’explosion d’énergie au spectateur.

Miro vécut dans la pauvreté jusqu’à ce que son ami Ernest Hemingway lui achète une de ses œuvres principales, “La ferme”.

Ciphers and Constellations in Love with a Woman 1941 - Joan Miro - Institute of Chicago

Piet Mondrian

Piet Mondrian (1872-1944) est le père de la peinture abstraite des Pays-Bas. Elle s’oppose à Kandinsky et ce nome « l’abstraction froide ». Mondrian a participé au mouvement artistique néerlandais. Il a également influencé le Bauhaus. L’expression artistique de Mondrian rend les couleurs et les formes aussi simples que possible. Par l’intermédiaire d’Yves Saint-Laurent, son œuvre eut un grand impact sur la mode en 1965, notamment avec le tableau représentatif, « Composition 2 rouge, bleu et jaune », le « Mondrian Look » Son influence sera à l’origine du minimaliste.

Lozenge Composition with Yellow, Black, Blue, Red, and Gray - 1921 - Institute of Chicago

Jackson Pollock

Jackson Pollock (1912-1956), est né aux États-Unis. Il est le chef de file de l’action painting » qui est une technique qui n’utilise pas de pinceaux, mais des coulures et de jet de peinture sur une toile posée sur le sol. Dripping

Influencé par Miró, Pollock s’exprime par une action fondée sur le concept de l’inconscient. Il est un des représentants les plus connus de « l’expressionnisme abstrait ».

Jackson Pollock a longtemps souffert d’alcoolisme et est décédé subitement à l’âge de 44 ans en 1956. Après avoir conduit en état d’ébriété, il s’est encastré dans un arbre.

Jackson Pollock Convergence 1952 Photo Lluís Ribes Mateu

Mark Rothko

Le peintre russo-juif américain Mark Rothko (1903-1970) est l’un des peintres représentatifs de l’art d’après-guerre. Mark Rothko était un élève studieux, mais il a abandonné l’Université de Yale pour poursuivre une carrière artistique. Rothko connaissait la mythologie grecque ce qui l’a rapproché des surréalistes. Il a été influencé par le philosophe allemand Friedrich Nietzsche Le « style Rothko » est un travail sur la couleur avec un fond de spiritualité. C’est une peinture de méditation.

Mark Rothko Untitled (Painting) 1953/54

Frank Stella

Peintre et sculpteur américain Frank Stella est né en 1936. Au-delà de l’expressionnisme abstrait, il est également connu comme une figure de proue de l’art minimal. Stella a étudié l’histoire de l’art à l’Université de Princeton. Ensuite, inspiré par l’exposition solo de Jasper Johns, il a réduit ses peintures au strict minimum d’éléments pour produire la « Black Painting Series ».

Rompant avec l’expressionnisme abstrait, Stella décrit son travail comme « une surface plane et peinte, rien de plus ».

En 1959, il est sélectionné pour la 16 American Artists Exhibition (Museum of Modern Art, New York), et l’année suivante il organise une exposition personnelle à la Leo Castelli Gallery, galerie mythique qui a dirigé l’art américain d’après-guerre.

Frank Stella Hatra 1 1967 - Institute of Chicago

Barnett Newman

Barnett Newman (1905-1970) est un artiste représentatif de l’expressionnisme abstrait et de l’« action painting » avec Pollock et Rothko. Né à New York, aux États-Unis, dans une famille d’immigrants juifs russes, Neumann a travaillé comme critique et conservateur avant de commencer sa carrière de peintre en 1944 à l’âge de 40 ans. Son style se caractérise par un traitement uniforme de la couleur, qui est traversé par une ou plusieurs lignes verticales qu’il appelle Zip.

Barnett Newman Canto II, from 18 Cantos 1963 - Institute of Chicago