Devise
Photographe contemporain
Le photographe amateur utilise une technique que tout le monde connaît. C’est une technique tellement commune que l’on pourrait se demander si la photographie est un art comme la peinture ou la sculpture.
Le photographe contemporain utilise à présent tous les outils numériques. Pourtant, l’âme d’origine de la photographie fait toujours partie des fondamentaux de la discipline. Le photographe est un artiste contemporain des plus dynamiques. Depuis l’apparition des premières photos, après les travaux de Niepce et de Louis Jacques Mandé Daguerre, (1824), les images photographiques ont un caractère artistique.
À l’époque, la technique en était à ses débuts. Une plaque recouverte d’une fine couche d’iodure d’argent était exposée dans une chambre noire, puis traitée avec des vapeurs de mercure qui faisaient apparaître une image.
Rapidement, des esprits créatifs, comme les peintres, ont vu dans ce procédé un nouveau moyen d’expression. Il en suivra un mouvement artistique.
De nos jours, il existe de nombreux styles d’art photographique. Du photojournalisme à l’art conceptuel photographique en passant par toutes les compositions numériques que les nouvelles technologies permettent.
La photographie est-elle un art ?
La question est toujours d’actualité.
Souvent en marge des concepts qui définissent une œuvre d’art, les images photographiques ont depuis longtemps envahi nos sociétés contemporaines.
De plus en plus, elles sont réalisées par la caméra d’un Smartphone. Numérisée, elles deviennent plus faciles à dupliquer et à traiter.
Les photographies sont consommées en grande quantité. Cependant, une image, pas obligatoirement une « œuvre photographique ». Pour qu’elle le devienne, elle doit remplir quelques conditions :
- L’épreuve doit avoir été exécutée par l’artiste.
- Elle doit porter l’empreinte de la personnalité de son auteur
- Elle doit être signée ou authentifiée par l’artiste
- Elle doit faire l’objet d’un tirage limité à 30 exemplaires
Mais que signifie le travail photographique ?
Les photographies se classent entre photographies commerciales, de loisir et photographies d’art.
Pour le dire d’une manière plus explicite, il existe une tendance de longue date, selon laquelle les personnes qui photographient sont des photographes professionnels. Ils sont rémunérés pour ce travail tandis que les photographes d’art, eux, ne sont pas tenus par une commande. La frontière n’est pas évidente.
Professionnels de la photo de mode, ou de la photo de presse, certains sont malgré tout devenus célèbres. Mario Testino, Guy Bourdin, Annie Leibovitz, Helmut Newton, Annie Leibovitz, Peter Lindbergh, pour la photographie de mode ; Robert Capa, Henri Cartier-Bresson, Raymond Depardon et Robert Doisneau, pour la photographie de presse.
Ils ont révélé la beauté des modèles et immortalisé les instants d’histoire, ou simplement témoigné d’une époque.
Les photographes de mode
Par leurs regards, ces artistes ont révolutionné l’image d’art. De même que les peintres flamands comme Johannes Vermeer, ces pionniers de la photographie ont exprimé les scènes de vie et les symboles de nos sociétés contemporaines.
En réalité, il est difficile de faire une différence entre un photographe d’art et un photographe tout court. C’est la démarche et le regard qui font la différence.
La photographie de charme ou romantique
Dès l’apparition de la photographie, la photo de charme tient une place de choix dans la discipline. Elle sert d’abord de modèle pour les artistes peintres, mais rapidement, elle est considérée comme un art à part entière.
Assez confidentiel au départ, le photographe de charme, gagne en notoriété à compter des années 1950. Des expositions sur le thème exposent des artistes de plus en plus connus comme David Hamilton par exemple.
L’avant-gardisme
Alors que la photographie s’impose comme discipline artistique à part entière, apparait un mouvement avant-gardiste. Certains photographes adaptent les nouvelles pensées du cubisme, du constructivisme et du surréalisme. À noter les travaux de Moholy-Nagy et Man Ray
Le photojournalisme
Apparu dès les débuts de la photographie, la presse s’empare de ce nouveau média voulu comme un témoignage objectif. En réalité, les photographes prirent aussitôt leur liberté dans le traitement des évènements.
Les photographes reporters s’émancipent des rédactions et interrogent l’esthétique même au cœur des plus dramatiques situations.
Robert Capa a fait partie du débarquement de juin 1944 sur la plage d’Omaha Beach. Il réalisa de nombreux clichés qui contribuèrent à la mémoire historique, mais également à l’histoire de l’art. Malheureusement, de nombreux négatifs ont été détruits à tout jamais lors de l’opération.
La photographie conceptuelle
La généralisation de la photographie a fait réagir le monde de l’art. On peut considérer trois positionnements :
1- Le réalisme conceptuel qui interroge la réalité brute sans artifice. (Bernd et Hilla Becher s’inspirèrent du patrimoine industriel)
2- La narration évènementielle qui intervient au titre du témoignage. Andreas Gursky, produit des photos grands formats extrêmement précises. De plus, on peut le classer comme un réaliste qui a suivi les théories de l’école de Düsseldorf.
Le travail de Andreas Gusky évoluera vers le pop’art de Andy Warhol .
La photographie artistique utilise la technique pour concurrencer les arts graphiques.
La photographie artistique utilise des techniques dans le sens des arts graphiques.
Dans le domaine du Street art et du pop art, avec l’avènement du traitement numérique, les photographes de la fin du XXᵉ siècle s’inspirent des codes publicitaires. L’objectif est d’interagir avec le spectateur à travers les symboles du monde consumériste. Alors que le public montre un nouvel intérêt pour la photographie, le médium évolue vers la perfection des formes. Les démarches artistiques sont variées, mais elles sollicitent plus que jamais l’interprétation du spectateur. (Notons l’arrivée de Gilbert et Georges sur la scène photographique avec leur série de photomontages). Ils se positionnent comme anti-élites et proches du peuple. Les « Naked Shit Pictures » (1995) sont en effet devenues très populaires. « Class War, Militant, Gateway« , a été exposée en 2015 à la Fondation Louis Vuitton.
Naissance de la photographie artistique contemporaine
Le mot « photographe contemporain » a pris racine durant les vingt dernières années. Auparavant, personne n’utilisait ce genre de terme.
L’année 1995, avec la naissance d’Internet, a vu un changement irréversible concernant la production et la diffusion de l’art.
Immédiatement, un grand nombre d’images ont inondé le Net à grande vitesse. Avec l’avènement des SNS (de l’anglais : Social Networking ) Facebook (2004) et Instagram (2010), les images et vidéos quotidiennes prises par des inconnus se sont additionnées à la masse des photographies existantes. Le phénomène ne cesse d’augmenter d’une manière exponentielle. Ce changement rapide a même dépassé les prévisions.
Depuis que Wolfgang Tillmans a remporté le Turner Prize en 2000, la photographie s’est irréversiblement dirigée vers l’art contemporain.
Pourquoi un tel changement ?
Il faut se reporter au livre de la curatrice Charlotte Cotton « Contemporary Photography : The Future of Photography as Contemporary Art » publié par l’éditeur britannique Thames & Hudson en 2004. Cette publication a rapidement acquis une influence mondiale.
Ce livre constitue un acte de naissance de la photographie en art contemporain. Le vaste choix de photographes qui est envisagé dans ce livre comprend des artistes tels que Isa Genzken, Jeff Wall, Sophie Calle, Thomas Demand, Nan Goldin et Sherry Levine, sans oublier les artistes émergents comme Sara VanDerBeek, Rashid Johnson, Viviane Sassen et Amalia Ulman.
Cette édition n’est pas la première sur le sujet. Cependant, elle donne du relief aux pratiques plus récentes qui révolutionnent encore actuellement la vision de l’image. La photographie devient un médium culturellement essentiel. Il est plus que jamais un moyen puissant d’expression du pouvoir socio-politique.
N’est-ce pas la fonction la plus noble de l’art contemporain que d’offrir des alternatives au conservatisme bourgeois qui tend à figer des tendances convenues pour mieux les contrôler ?
Derrière son aspect didactique, le livre de Charlotte Coton , démontre la nécessité pour les photographes contemporains de s’extraire de la niche artistique où certains penseurs de l’art souhaiteraient les confiner.
Je pense qu’il ne faut pas oublier que l’émergence et l’établissement du mot « photographie comme art contemporain » se sont produits dans un environnement aussi contemporain.
L’impact de la révolution numérique sur l’art
L’avènement de la société Internet a donné naissance aux SNS (de l’anglais : Social Network ). Cela transforme le monde de l’art en relation avec la mondialisation économique.
La généralisation du traitement numérique des images, la technologie des téléphones mobiles ont changé complètement le paradigme qui entoure l’art de la photographie. L’image brute prise avec un appareil photo devient un matériau que l’on peut modeler et transformer à loisir pour créer des images souvent éloignées de la photographie originelle. Les possibilités sont sans limites pour transformer la réalité et étendre la culture visuelle humaine au-delà des réalités par de nouveaux effets.
Des outils numériques sont apparus, la « capture numérique », « Photoshop », l’impression pigmentaire et récemment l’impression 3D.
Ils ont modifié durablement notre approche de l’image. Les photographes se sont adaptés dans un premier temps. Puis, ils sont devenus spécialistes de ces nouvelles technologies. L’évolution est frénétique et le monde est devenu « fantasy connecté. »
Comme le dit Charlotte Cotton, nous sommes au « bord du chaos » de la « photographie moderne » comme corps étranger. Sans aller jusqu’à cet extrême, il parait évident que derrière l’image artificielle, le photographe contemporain a la responsabilité de conserver un lien avec la nature de l’art.
Quelle est l’avenir de la photographie ? Positionner la photographie comme art contemporain
À partir des années 90, la photographie passe complètement au numérique. Cela donne aux photographies un changement profond qui va au-delà du simple passage de l’optique analogique au numérique. La photographie est fondamentalement devenue différente de la peinture. La signification de la photographie liée à la « vérité » a été retournée de fond en comble. De nouvelles œuvres photographiques apparaissent. Les évolutions dans ce domaine semblent encore sous-estimées. La photographie comme expression d’une vérité physique est toujours défendue par les conservateurs. D’autres pensent qu’il est temps de s’émanciper totalement du réel pour vivre dans la virtualité. Pour ma part, je pense que l’évolution technologique et la mondialisation économique ne suivent pas le même rythme que l’évolution de l’humanité. Il est nécessaire de ne pas perdre les bases de cet art. D’ailleurs, de nombreux jeunes artistes utilisent toujours la photographie sur pellicule, à l’ancienne. La richesse artistique ne peut pas exister sans une cohabitation des genres, c’est presque une règle fondamentale. Il faut néanmoins se préparer à un tel « chaos ». Puis, reconsidérer le contexte de la photographie comme art contemporain. Les photographes ont maintenant dépassé l’étape de la numérisation, pour entrer dans la mondialisation économique par des technologies informatiques innovantes. (Blockchain NFT etc.) Dans le même temps, ils sont reconnus comme acteurs de l’art contemporain. Pour combien de temps ? Il ne faut jamais oublier que la photographie est un art, avec son propre langage et sa propre esthétique. Parmi les photographes contemporains, le consensus n’est pas de mise. L’avenir nous le dira !
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