La carrière artistique : un gros mot ?

Cela semblera évident pour le plus grand nombre, mais la qualité est un élément primordial, parfois malheureusement oublié au profit de l'idée ou du concept artistique.

Art durable et de qualité

Une oeuvre d'art se doit d'être un objet de qualité et durable. Un tableau est censé pouvoir durer au moins une centaine d'années sans problème.

Pour un acheteur, acquérir un tableau et voir ses couleurs ou la matière se détériorer en quelques années  est inacceptable.

Choisir des matériaux de qualité, tester la tenue de certains mélanges chimiques est également important.

Par exemple, un sculpteur sur métal devra connaitre les propriétés des métaux avec lesquels il travaille.

En effet, certains métaux se mélangent très mal entre-eux et produisent une oxydation accélérée, appelée oxydation galvanique.

Il en va de même pour certaines résines, les vernis, les colles et de nombreux matériaux.

Pensez à soigner particulièrement la finition de vos oeuvres, faites honneur au futur acheteur!

Le cadre d'un tableau se doit d'être solide et irréprochable, ainsi que l'éventuel encadrement.

Idem pour les socles de sculpture et les armatures internes.

Le choix d'un nom d'artiste est parfois évident et facile, mais parfois ce choix peut s'avérer plus délicat et conduire à des erreurs contre productives pour la renommée de l'artiste.

La première question à se poser est : existe t-il un artiste portant le même nom que moi ?

En effet, il n'est pas rare aujourd'hui que plusieurs artistes contemporains, peintres, sculpteurs ou photographes, utilisent le même nom.

Parfois, il s'agit de leur vrai nom. Si vous vous appelez Claude Monnet ou Camille Claudel, bien sûr, il n'est pas impossible que ce nom puisse vous apporter de la visibilité. Car comme disait Jean-Claude Duss dans les bronzés font du ski, "sur un malentendu, ça peut marcher" !

En règle générale, il est indispensable de faire une recherche. Internet nous fournit pour cela des outils très puissants.

Parfois, l'artiste se choisit un surnom ou un nom d'artiste. Pas de problème, mais à condition de faire une recherche préalable pour s'assurer qu'il n'existe pas un homonyme, surtout si ce dernier pratique le même art que vous, voire le même style. Il n'est d'ailleurs pas impossible, surtout dans le cas d'un surnom, que vous puissiez être poursuivi en justice, comme pour la copie d'une marque commerciale.

Dans l'idéal, votre nom d'artiste sera unique et facilement mémorisable.

S'il ne s'agit pas de votre nom officiel, choisissez de préférence un nom qui vous va bien et qui s'accorde avec votre style artistique.

Il sera préférable d'utiliser toujours le même nom, qui signera également vos oeuvres.

Si vous deviez changer de nom en cours de carrière, cela est bien sûr possible, mais très risqué en termes de notoriété. Ce changement devra être murement réfléchi. Il faudra sans doute multiplier vos efforts en communication à propos de ce changement de nom, comme pour tout changement de marque commerciale.

Certains artistes décident d'utiliser un nom différent pour réaliser des travaux spécifiques : expérimentations, commandes publiques ou oeuvres à bas prix. Ce choix peut présenter un intérêt, mais attention à ne pas brouiller votre image auprès du public. Encore une fois, il s'agit de bien réfléchir à une stratégie en amont.

Doit-on déposer son nom d'artiste ?

Le fait de déposer un nom d'artiste n'est pas une formalité obligatoire. Il est toutefois possible d'enregistrer un nom d'artiste auprès de l'INPI. L'Institut National de la Propriété Industrielle vous permet également de protéger une oeuvre ou une idée, par le biais de l'enveloppe Soleau.

La formalité de dépôt d'un nom ou d'une "marque" auprès de l'INPI passe par un processus de recherche.

Cela vous permet de vous assurer que le nom n'a pas déjà été déposé.

Le dessinateur et peintre Alex Varenne, disparu aujourd'hui, avait des habitudes de vieux garçon.

Par exemple, il déjeunait tous les midis dans le même restaurant parisien. Il s'y rendait très ponctuellement tous les jours et cette habitude avait pour moi quelque chose de rigide. Un jour où nous avions décidé de déjeuner ensemble, je lui faisais remarquer que ce restaurant n'avait rien d'extraordinaire et que nous pourrions aller déjeuner ailleurs.

Alex m'expliqua alors la principale raison de ce train train quotidien :

"Dans mon activité, me dit-il, je n'ai aucune contrainte. Je ne suis pas obligé de me lever le matin comme un employé. Parfois, je n'ai pas envie de dessiner et je resterais bien au lit ou dans mon canapé.

C'est pourquoi je m'impose une autodiscipline. Mes journées de travail obéissent à un rythme précis, quasiment rituel. Sans cette méthode, je ne serais jamais arrivé à produire comme je l'ai fait, et peut-être même que j'aurais beaucoup moins développé ma technique de dessin et de peinture".

Cette petite conversation a agi sur moi comme un révélateur.. Non seulement, elle m'a aidé à mieux comprendre le comportement de mon ami, mais Alex m'a donné ce jour là une clé importante et une leçon de vie. Cet évènement m'a permis par la suite une réelle augmentation de ma productivité.

L'organisation et l'autodiscipline sont des atouts majeurs de productivité.

Ainsi grâce à lui, j'ai découvert que s'imposer des contraintes au quotidien conduisaient finalement à une plus grande liberté.

Savoir gérer son temps pour un artiste est donc un point essentiel.

Organiser les différentes tâches permet d'y voir plus clair et de planifier les étapes importantes.

Cela permet également de se libérer l'esprit lors de notre pratique créative.

Quand on est bien organisé, on est beaucoup moins pollué par les tracas quotidiens, par les tâches administratives qui traînent depuis des semaines et que l'on repousse sans cesse jusqu'aux dernières limites. On est alors beaucoup plus serein pour pratiquer notre art.

A ce sujet, je vous conseille l'article d'Amylee, savoir gérer son temps d'artiste, qui propose un "calendrier professionnel de l'artiste". Ce calendrier est un exemple, que vous pourrez adapter et personnaliser selon vos besoins.

Le terme de production artistique peut sembler paradoxal. La production est généralement associée à des objets et des processus de fabrication industriels.

La création artistique, quant à elle, reste un mystère qui n'est pas près d'être élucidé.

Pourtant, l'artiste professionnel se doit bien de "produire et produire encore" des oeuvres d'art.

Ce faisant, il perfectionne sa technique.

Produire plus d'oeuvres permet également d'étoffer son catalogue ou portfolio d'artiste.

Ainsi, les chances de pouvoir exposer différentes oeuvres se multiplient. Les possibilités de vente augmentent également.

Il peut arriver aussi, et c'est heureux, de devoir répondre à une commande, voire une commande de plusieurs oeuvres. Dans ce cas, il est préférable d'avoir un certain "workflow" de création plus ou moins maîtrisé.

Comme évoqué dans le chapitre précédent, l'organisation joue un grand rôle sur la "productivité" de l'artiste.

Planifier les heures ou les jours où vous vous consacrerez uniquement à votre activité créatrice vous apportera une vision beaucoup plus claire et vous permettra si besoin d'adapter votre emploi du temps.

L'idée que la vie est remplie de surprises est en grande partie fausse : même s'il peut toujours exister des imprévus, l'activité humaine est constituée essentiellement de tâches répétitives et prévisibles.

Planifier permet d'être plus efficient. Une vision claire de son activité permet de répondre plus efficacement aux imprévus, en réajustant son organisation.

Aujourd'hui plus que jamais, la promotion d'un artiste est un travail à part entière.

Dans le domaine de l'art, la concurrence est très forte et l'avenir toujours incertain.

Si vous ne disposez pas d'un agent dédié à votre communication et à la promotion de vos oeuvres, il vous faudra prendre cet univers à bras le corps.

Internet et les réseaux sociaux

Heureusement, Internet et les réseaux sociaux permettent aujourd'hui de communiquer facilement, du moins en apparence.

Car là encore, la compétition est rude et les techniques utilisées pour être visible deviennent de plus en plus complexes et coûteuses.

L'artiste moderne doit savoir maîtriser ces nouveaux outils. Au besoin, il peut être profitable de suivre une formation ou de se faire aider pour utiliser ces médias. Mais attention, il y a là pas mal de vendeurs de rêves.

Dans tous les cas, gardez à l'esprit que la communication sur Internet demande beaucoup de temps et d'énergie pour obtenir un certain niveau de popularité.

Mais surtout, il ne suffit pas de communiquer à tout va.

Penser en amont votre stratégie de communication et planifier vos publications vous permettra d'être plus efficace dans votre "message". Cette préparation vous permettra également d'économiser du temps et de l'énergie.

Les principaux leviers sur lesquels il vous faudra travailler, qu'il s'agisse d'un site internet ou des réseaux sociaux sont:

• La qualité du contenu : soyez pertinents et intéressants. Faites preuve d'empathie pour votre public.
  Adressez vous à lui et ne restez pas trop centrés sur vous-même et votre travail;
  
  
• La quantité du contenu : plus il y en a, mieux c'est. Néanmoins, il faut conserver un bon niveau de qualité. Le cas échéant, vous pouvez hiérarchiser la qualité de votre contenu en fonction de son importance. Ne pas oublier d'insérer photos et vidéos, les moteurs de recherche en raffolent !
  
  
• La fraicheur du contenu : alimentez ces outils régulièrement de nouveaux contenus. Choisissez la fréquence qui vous convient : journalière, hebdomadaire ou mensuelle;
  
  
• Concernant votre site Internet, cherchez à obtenir des liens entrants ou backlinks;
  
  
• Passez du temps à développer vos carnets d'adresses et vos contacts;
  
  
• Publiez sur toutes les expositions auxquelles vous participez, avant pendant et après l'évènement;
  
  
• Utilisez ces outils de manière professionnelle. Ne mélangez pas votre travail avec votre vie familiale ou vos activités annexes, sauf si cela a du sens.

La cote d'artiste

La cote représente un bon moyen de valoriser une carrière d'artiste.

Pour l'artiste contemporain, la cote peut être évaluée à partir de différents critères :

• Les ventes effectives de l'artiste;
  
  
• Le parcours artistique, les formations, écoles d'art,..
  
  
• Les expositions dans des foires internationales, comme Paris Art Fair, la FIAC, Art Basel, ou encore Frieze à Londres ou TEFAF (New York - Maastricht);
  
  
• Et la cerise sur le gâteau : les ventes au second marché ou ventes aux enchères, telles que l'hôtel Drouot ou encore Christie's.

La galerie d'art

La galerie d'art a également un rôle important à jouer : elle conseille l'artiste sur les prix de vente à pratiquer. Les ventes effectuées par la galerie participent à l'élaboration de la cote d'artiste.

En assurant la promotion de l'artiste, la galerie permet peu à peu d'augmenter les prix et de faire grimper sa cote en fonction de la demande.

Les ventes effectuées sur une galerie d'art en ligne, comme celle d'Art4You, participent également à l'élaboration de la renommée d'artiste.

La vente directe

Les ventes en direct de l'atelier d'artiste sont tout à fait valables pour établir une cote de l'artiste.

Attention cependant, certains artistes, sous prétexte que la vente en direct économise la part prélevée par la galerie, bradent leurs oeuvres. Cette pratique présente deux inconvénients majeurs :

• Elle déprécie le travail de l'artiste, et par conséquent sa cote;
• Elle fait perdre tout crédit à l'artiste de la part de ses partenaires, mais également de ses clients.

Le prix de vente, fixé en accord avec la galerie correspond en effet à la notoriété et à la cote de l'artiste sur le marché de l'art contemporain. Si vous vendez un tableau ou une sculpture en direct, basez-vous sur le prix fixé avec la galerie. Vous pourrez toujours accorder une remise à votre acheteur, mais de grâce, ne bradez jamais vos oeuvres !

Les sites de cotation d'artistes

Des sites spécialisés, comme I-cac ou Artprice, permettent d'établir et d'afficher la cotation des artistes peintres professionnels.

Les expositions

Pour bâtir ou conforter votre réputation d'artiste, le moyen le plus évident est d'exposer le plus possible votre travail. Vos oeuvres doivent être visibles dans différentes expositions et salons d'art.

Si vous en avez la possibilité, exposez en France mais également à l'étranger.

Variez les endroits et revenez régulièrement exposer dans les lieux qui vous conviennent le mieux.

Lors des salons et expositions d'art contemporain, vous avez non seulement l'occasion de vendre, mais également de communiquer sur ces évènements. Et si vous pouvez obtenir un article dans un journal, voire un lien vers votre site d'artiste ou vers votre page dans une galerie en ligne, c'est encore mieux.

Exposer est aussi un excellent moyen de confronter son travail avec un public large et diversifié.

Cette question peut sembler provocatrice. Bien sûr, il ne s'agit pas ici de produire des oeuvres avec l'obsession de vendre. La démarche créatrice d'un artiste n'appartient qu'à lui.

Il n'est cependant jamais inutile de se tenir au courant des tendances du marché de l'art.

Les échanges avec votre galeriste et d'autres artistes sont souvent très profitables.

Parfois, une discussion peut faire surgir de nouvelles idées.

Fréquenter les expositions et les art fairs en "touriste" est une excellente occasion d'admirer le travail d'autres artistes et parfois même d'échanger avec eux.

Cela permet d'affiner son style et de se différencier. C'est également un bon moyen d'observer l'attitude des acheteurs.