Depuis les origines, les sculpteurs ont eu une place à part au sein de la communauté des artistes. Ils ont longtemps été considérés comme des artisans géniaux, quand les peintres étaient sans ambiguïté des artistes.
Cette réflexion convient particulièrement bien aux sculpteurs contemporains. La sculpture contemporaine est en mutation permanente. C’est un domaine très vivant, avec une utilisation de nombreuses techniques. Elle déborde d’un esprit inventif.
De nos jours, l’artiste contemporain se sert de tout ce qui est à sa portée. Les sculpteurs utilisent les dernières technologies et veulent compter sur notre époque.
L’artiste contemporain
Est-ce qu’un amateur d’art qui se lance dans la pratique des arts plastiques est un artiste contemporain ou même simplement un artiste au sens étymologique du mot ? La réponse est non, car, trop souvent, on confond l’art et la décoration.
Faire du beau n’est pas suffisant, même si l’on produit des pièces originales. Il est nécessaire qu’une œuvre provoque davantage qu’une simple réaction esthétique, qui fait penser qu’elle serait en bonne place dans un salon.
Ce concept d’artiste contemporain est tellement utilisé que personne ne saurait lui donner un sens précis. Artiste de notre époque, artiste reconnu par le monde de l’art, artiste en vogue, artiste innovant, autant de définitions pour désigner une multitude d’acteurs de l’art.
Le mot contemporain pour un artiste doit retrouver du sens. Il doit parler aux gens de notre époque et être porteur d’idées qui n’existent pas encore et qui seront pourtant notre avenir.
Les œuvres ne sont pas uniquement initiées pour être contemplées, mais pour agir sur les esprits.
Art4you gallery vous présente des sculpteurs qui débordent d’inventivité.
Mireille Louviot en est un exemple avec son travail mixte entre bois flotté et céramique. Associer l’action de l’eau sur du bois et le feu du travail céramique est osé. Le résultat est au rendez-vous.
La sculpture européenne moderne s’est lentement éloignée de la reproduction réaliste de la sculpture depuis la Renaissance. Cette discipline a vu émerger une multitude de sculpteurs et d’œuvres remarquables.
La révolution du fauvisme et du cubisme en peinture a également eu un impact sur la sculpture. En effet, l’art moderne européen a commencé à changer de nature à partir du cubisme.
La déconstruction et la réorganisation des objets de Picasso et Georges Braque ont influencé l’inspiration de l’espace des sculpteurs. Les émotions intérieures de l’artiste se sont ainsi exprimées sous une forme plus libre.
L’influence du cubisme sur la sculpture a été importante. La sculpture ne se limitait plus à la beauté des objets et aux règles de l’équilibre symétrique, ni à la représentation de thèmes littéraires narratifs, mais se concentrait sur ses propres facteurs esthétiques tels que le volume, l’espace et la forme.
Les sculptures de Rodin ont marqué un tournant à la fin du XIXᵉ siècle et au début du XXᵉ siècle. Bien que l’œuvre de Rodin n’ait pas échappé à l’art de la reproduction, comme les peintres impressionnistes de la fin du XIXe siècle, elle a soulevé de nombreuses questions relatives à l’expression artistique.
L’autre voie a consisté à se détacher du cadre de Rodin, en abandonnant les expressions traditionnelles et en définissant la sculpture comme une œuvre d’art tridimensionnelle, purement formelle.
Sculpteur explorateur du XXᵉ siècle, Constantin Brancusi a été l’assistant de Rodin. Il a estimé qu’il ne partageait pas les aspirations artistiques de ce dernier et l’a quitté. Il entre ensuite dans le milieu de l’art d’avant-garde à Paris, avec les cubistes. Influencé par Picasso, qui lui donne le goût de la beauté rustique et de l’art primitif, il s’émancipe de son maître.
Contrairement aux cubistes, qui détruisaient et reconstruisaient l’image visuelle originale, les sculptures de Brancusi étaient conçues pour préserver le prototype original.
Henry Moore a déclaré : « Depuis l’époque gothique, la sculpture européenne est couverte de mousse, de mauvaises herbes et de l’accumulation d’objets superficiels qui recouvrent la forme. Ce n’est qu’avec l’arrivée de Brancusi que les excès ont été complètement supprimés. Cela nous a redonné un sens de la forme”.
Brancusi conserve les qualités originales de la matière qu’il sculpte, son langage est simplifié et général, mais son œuvre révèle une émotion intérieure. L’élément le plus caractéristique de son travail est le haut degré de pureté de la forme, c’est-à-dire que la forme est façonnée de manière à exprimer les caractéristiques les plus fondamentales de l’objet, sans tenir compte d’autres détails.
Il a fondamentalement changé la conception traditionnelle de la sculpture, ce qui explique pourquoi les artistes occidentaux ont appelé Brancusi le « père de la sculpture occidentale moderne. ».
L’année 1970 fut sans doute un tournant pour la sculpture contemporaine, notamment avec l’impact dans le monde de l’art du livre « What is modern sculpture «
Goldwater, Robert (1907-1973). Auteur – Edité par The Museum of Modern Art. New York (N.Y.) – 1969
L’auteur, Robert Goldwater, éminent historien de l’art, a été professeur de beaux-arts à l’Institute of Fine Arts de l’Université de New York depuis 1957. Parmi les nombreux ouvrages qu’il a publiés, citons Artists on Art, Modern Art in Your Life, Gauguin, Primitlvism in Modern Art, et Space and Dream.
Conçu comme une introduction à la sculpture moderne, ce livre illustre une sélection représentative de sculptures produites de la fin du XIXe siècle à nos jours.
Il met l’accent sur l’appréciation directe des œuvres individuelles plutôt que sur la séquence historique. Ce livre présente les sculptures dans des groupes apparentés accompagnés d’une description de chaque œuvre. Les sculptures sont accompagnées de textes qui expliquent leur caractère formel et les intentions qui ont présidé à leur création. C’est un livre référence qui pose les bases de ce qui deviendra la sculpture contemporaine.
Les thèmes sont examinés presque d’une manière scientifique. Ils sont toujours d’actualité de nos jours. Le torse, le portrait, le cubisme, l’assemblage, le relief et les monuments dépassent les tendances des années 60.
Cette parution met aussi l’accent sur les développements artistiques de l’époque. Comme une réponse aux sculpteurs modernes et un ordre à renouveler avec de nouvelles aspirations : environnement, sciences, guerres, identité sexuelle, parole des femmes, etc.
Le bouleversement de la sculpture contemporaine implique une forme de désordre, une sortie du conventionnel. La variété des solutions devient une réflexion sur le sens de la nouvelle sculpture. Les matériaux se diversifient, donnant de multiples possibilités aux artistes.
Parmi les nombreux artistes qui participèrent à ce changement de paradigme figurent Jean Arp, Constantin Brâncuși Alexandre Calder, Naum Gabo, Alberto Giacometti, Julio Gonzalez, Henri Matisse, Henry Moore, Claes Oldenburg, Pablo Picasso, George Segal et David Smith.
Dans les années 1920, Marcel Duchamp et ses acolytes comme Moholy-Nagy, Schwitters ou Tatline, ont commencé à défricher la discipline. Après-guerre, des sculpteurs tels que Giacometti, Brancusi ou Picasso ont véritablement révolutionné la sculpture moderne. Elle s’est diffusée avec des pratiques innovantes, ce qui a ouvert la voie à notre sculpture contemporaine.
De « L’installation », au land art en passant par les nouvelles technologies, comme la maîtrise de la lumière dans l’art lumineux, jusqu’à l’art conceptuel, les nouvelles bases de la sculpture contemporaine bouleversent nos conceptions historiques.
Avec l’utilisation des déchets, en passant par toutes les gammes des matières solides, liquides, gazeuses, minérales ou organiques, les expériences artistiques se multiplient.
Ils se définissent comme des artistes qui tentent des expériences d’abstraction et utilisent de nouveaux matériaux et de nouvelles techniques. La sculpture moderne débute, selon les historiens de l’art, avec Auguste Rodin (1840-1917) et se termine avec le Pop Art et le Minimalisme dans les années 1960.
L’évolution de la sculpture a été progressive et en retard par rapport aux autres arts. Une lourde tradition figurative a freiné son développement. De plus, elle a été limitée dans l’utilisation de matériaux.
Les artistes utilisaient presque exclusivement le marbre et le bronze.
Les nouveaux sculpteurs sont devenus plus individualistes et audacieux, ils ont pris du recul face à leurs pairs. Ils sont devenus des chimistes, des mouleurs plastiques, et ont commencé à maîtriser de nombreuses techniques innovantes. Une nouvelle ère apparaissait.
Parce que leur travail est devenu techniquement très exigeant, les sculpteurs contemporains se sont formés auprès d’industriels afin d’utiliser correctement une grande variété d’outils, d’équipements techniques et pour bien maitriser les gestes techniques.
Une des grandes orientations esthétiques récentes a été de prendre des objets banals pour les transformer en quelque chose d’intense et de vivant.
Jeff Koons en est un excellent exemple. Issu d’un milieu modeste, avec une mère couturière et un père vendeur de meubles, il n’a jamais oublié ses racines quand il est devenu un artiste de grande renommée.
Il utilise toujours des objets ordinaires pour les transformer en œuvres d’art. Il exprime un questionnement sur une société consumériste et médiatisée à outrance
Les sculpteurs contemporains sont, plus que dans d’autres arts, des agitateurs qui cherchent à dénoncer nos pratiques sociétales dangereuses.
De Christo, qui alerte sur la problématique des emballages avec une réflexion sur l’apparence ou la suggestion du réel, jusqu’à Banksy, sculpteur qui en 2004, produit des faux billets à l’effigie de Lady Diana dans un festival à Notting hill.
Selon une idée largement répandue, l’art est un vecteur de messages. De cette évidence s’est constitué une déviance sur laquelle le message dans l’œuvre est devenu plus important que l’œuvre elle-même.
Mies van Der Rohe (1886-1969) était architecte. Lassé par le mouvement pop art qui s’étalait partout aux USA avec des artistes comme (Warhol, Roy Lichtenstein, Robert Rauschenberg, Jasper Johns), il prône la sobriété dans l’art et particulièrement en sculpture. Un mouvement s’installe progressivement, l’art minimaliste. Il s’agit d’un retour à la matière des objets dans leur environnement.
L’art minimal s’établit sur un rapport entre l’œuvre et l’espace. Les objets réagissent avec leur environnement, selon les termes de Donald Judd “Specific Objects” 1965.
Le style des “piles” est simpliste avec des blocs, tous de la même taille et de la même couleur, fixés au mur.
À partir de 1990, l’art en Chine commence à sortir de la clandestinité. Une grande vitalité apparaît particulièrement dans le quartier East Village de Pékin. Beaucoup d’ateliers d’artistes se créent.
Pour la plupart des sculpteurs contemporains, il serait plus juste d’affirmer que l’art est révélateur et émancipateur. Les artistes provocateurs se jouent des convenances et prennent des libertés avec les codes politico-économiques. Il n’est pas rare qu’ils utilisent les symboles que sont les marques des firmes pour dénoncer la surconsommation et souvent sans l’accord de ces entreprises qui voient alors leur image déformée. En ce sens, la sculpture contemporaine agit sur notre présent et participe à une réflexion globale de notre avenir.
Il est toutefois désolant de voir cet outil « révolutionnaire des esprits » capté par le monde des affaires et des investisseurs. Le message, par ce fait, se brouille.
C’est une posture récente d’appréhender l’art de Jeff Koons qui reste un précurseur. Beaucoup d’artistes suivent sa trace. Il reste un artiste fondateur et iconique de l’art contemporain.
La moitié du XXᵉ siècle a été une période d’expérimentations. Le XXIᵉ siècle prouve la vitalité actuelle d’un art qui devient incontournable.
La célébrité n’est pas synonyme d’excellence.
Les artistes sélectionnés par Art4You Gallery participent à ce grand mouvement de la sculpture contemporaine.
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